Los descendientes: circunstancias y decisiones

Incluso en el paraíso estamos limitados. Limitados por las circunstancias y definidos por nuestra elecciones. Y los personajes de Alexander Payne tienen mucho de esto. Matt King (George Clooney) tiene una mujer en coma, dos niñas déspotas a las que apenas conoce y su familia es propietaria del último pedazo de tierra virgen del archipiélago, ya que son descendientes de una princesa indígena. Casi nada. Están a punto de cerrar la venta del terreno (10.000 hectáreas de selva y costa), algo que  les hará muy ricos, cuando su mujer Elizabeth sufre un terrible accidente. Por si esto fuera poco Matt se entera de que le ha sido infiel…

¿ Y entonces que? Matt se encuentra en una encrucijada vital, de las que el director Alexander Payne es especialista. ¿Que hará Matt King ahora? ¿como afrontar la infidelidad de la mujer que amaba y su enfermedad? ¿ su trabajo le ha separado de su familia y ha provocado los cuernos de su postrada mujer? ¿afectará a la venta del terreno?

Capaz de convertir una tragedia familiar en una broma bien llevada, un capricho del destino pese que los protagonistas tratan de decidir en todo momento sus acciones, la maestría del director de A propósito de Schmidt y Entre copas se ve aquí: la contraposición del control del narrador sobre la situación y la verdad de la cámara. El narrador puede hablarnos de su verdad, pero la cámara nos dirá la verdad que vemos, a partir de ahí nosotros, espectadores,  juzgamos.

No es una tragicomedia cualquiera, es un ejercicio de cirujano cinematográfico que conoce muy bien su obra: las debilidades de sus personajes y su ambiente. Encontramos otra de las genialidades del director en la construcción de los personajes, de dentro a fuera, consistentes y necesarios (hasta el amigo de las niñas tiene un trasfondo intenso). Nos damos cuenta cada minuto que pasa de la torpeza de Matt King en sus decisiones y aciertos, en lo poco que conoce a sus hijas y lo mucho que puede perder o ganar.  Satírica y divertida sin tocar el mal gusto o el humor negro, Los descendientes avanza a ritmo de ukelele, fluida y sin muchos giros reseñables.

Junto con la que dicen que es la mejor actuación de George Clooney (que le ha merecido un Globo de Oro y una nominación al Oscar) tenemos que hacer una mención acerca de la magistral interpretación de las hijas de Matt: la mayor Alexandra  (Shailene Woodley) que pasa sus dulces 17 entre cogorzas y mal carácter, madura radicalmente ante una situación que la desborda, al igual que la precoz y deslenguada Scottie (Amara Miller) de 10 años, que madurará más deprisa de lo previsto.

Y todo ello con un envoltorio perfecto. Hawai, que nos muestra toda su belleza sin exóticas bailarinas ni cócteles con sombrillitas, con su día a día habitual, intentando pasar desapercibida pero fundamental en la trama. Un paraíso demasiado humano para lo que estamos acostumbrados a ver, pero sin perder su magia… El archipiélago es lo que da vida a la trama y su banda sonora, música celestial .

Circunstancias y decisiones. Los descendientes es una película familiar sobre eso. La recomposición de una familia desde prácticamente cero. Aunque basada en la novela homónima del hawaiano  Kaui Hart Hemmings, Payne produce, adapta y dirige una una historia de amor real, sin ningún tipo de freno o censura, divertida y dolorosa a la vez, auténtica comedia humana que trasciende y se convierte en universal (seas de Sevilla, Arkansas o Tokio).

Los descendientes es una de las grandes apuestas del año por parte de un Hollywood sin muchas ideas, una de las mejores películas en cartelera a día de hoy, tanto a nivel de actuación , como de fotografía, música y guión… Sus cinco candidaturas a los Oscar son la guinda de un trabajo pulcro y sublime. Muy atentos a la noche de los Oscar, ya que es una de las favoritas con razón… (aunque sigo apostando por The Artist). Muy recomendable para reflexionar y pasar un buen rato en familia. O no.

 

NOTA: 4/5

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Entre todo esto y con la noche del cine acercándose, hemos perdido a uno de los directores más grandes, el griego Theo Angelopoulos, desconocido por el cine comercial (pero ganador de la Palma de Oro en Cannes y del León de Oro en Venecia) . Sus películas buscaban la verdad honesta. Realismo mágico dijeron de él, pero era poesía: os dejo el trailer de, para mí, su mejor película: La mirada de Ulises

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La chispa inflamable de Alex de la Iglesia

Se abre el telón del teatro romano de Cartagena y ¡zas!  Roberto Gómez ( José Mota) aparece con una barra de hierro incrustada en el cráneo. A su alrededor su esposa ( Salma Hayek), el equipo médico ( con Antonio Garrido a la cabeza ) que no sabe cómo sacársela, la prensa, la televisión, los medios acompañando a  las fuerzas vivas (el entrañable Juan Luis Galiardo) en el papel de alcalde cartagenero, acompañado de Blanca Portillo, directora del teatro y jefa de la restauración del mismo, un cruel representante de publicidad… Todos pendientes de Roberto,publicista, padre y  en su día el creador del famoso eslogan de Coca-Cola La chispa de la vida.

Pero ¿que ha pasado?, ¿qué vemos?, ¿un intento de suicidio?, ¿un accidente? El día de Roberto no ha podido ser peor. LLeva dos años parado y ha ido a Mckencie (una parodia de la agencia publicitaria McCann -Erickson) donde sus ex-compañeros, ahora ricos ( momentazo Vigalondo- Segura jugando a la Wii)  ignoran a su antiguo amigo. Este en un ataque de furia acaba en Cartagena al ritmo de AC/DC … y hasta aquí puedo leer.

 

Alex de la Iglesia hace suya la perenne crítica al sensacionalismo de los medios ( de todos los medios) ante el morbo de una situación patética y trágica, tan trágica como la de un hombre muriéndose en directo. Y el director bilbaíno  lo hace a su manera única, con personajes caricaturizados hasta el humor negro en una situación absurda que se vuelve muy creíble. De la Iglesia se acerca esta vez al realismo a partir del drama del paro. Y lo consigue sin dejar de marcar los tiempos en un escenario único.

El espectáculo vuelve al teatro romano dos mil  años después y  aunque ya no haya gladiadores sobre la arena, las aves de carroña vuelven a campar a sus anchas con un traje muy ibérico. Porque a la larga La chispa de la vida es una fábula sobre el egoísmo individual, la hipocresía de todos los intereses creados torno a una situación patética y única en un escenario a medida del director.


Si en 1951 Billy Wilder intentó parodiar la crueldad de los medios en El gran carnaval ( con un memorable Kirk Douglas en un agujero), medio siglo después la historia se repite pero con Twitter y televisiones, con el mundo entero pendiente de la vida del publicista acabado, que intentará sacar tajada de la situación por el bien de su familia.

Aunque la película apenas tiene giros una vez planteado el problema,aquí los buenos muy buenos y los malos malísimos son sólo actores en un circo perfectamente sincronizado, en una obra que termina cuando nuestro protagonista cierre los ojos…o no.

 

Todos interpretan el papel que les ha tocado: Roberto trata de hacer el negocio de su vida a punto de morir , el representante ( Fernando Tejero como publicista sin corazón consigue el odio de la sala entera) , el director de la cadena ficticia cadena líder Antena 5  ( Juanjo Puigcorbé nos podría recordar a otros personajes extremos del director como Sancho Gracia en Balada triste de trompeta o incluso a Jesús Bonilla en La Comunidad) y hasta el alcalde, que se frota las manos viendo como esto es publicidad gratis para su ciudad. Por cierto: la transformación de José Mota al drama es soberbia, espero que se lleve el Goya al Mejor actor revelación.

Solo una persona parece no entrar en este juego, Salma Hayek, preciosa,radiante, íntegra  y rodeada de fieras sin escrúpulos. Es la única que sabe lo que importa, lo único que importa: la vida de su marido. Y un guiño a los medios de la mano de Alexia Bang; la reportera de televisión que ¡oh! aún parece tener dignidad.

En palabras del director en elreferente.es: “La chispa de la vida está en creer que existe una posibilidad de mantener la dignidad. Puede que ya no tengamos respeto por cómo funcionan las cosas, el problema es cuando ya no te tienes respeto a ti mismo”.

Y quizá sea eso, ver la muerte de un hombre en directo mientras un circo se gesta a su alrededor, una pantomima donde los actores suben al escenario tratando de salvar al protagonista, o al teatro, forrarse o salvarse ellos mismo. Esperar un milagro, esa chispa de dignidad y respeto que nos falla a todos: tanto a los medios por darnos alimentarnos carnaza como a los espectadores por seguir pidiéndola.

La chispa de la vida no es una película perfecta, pero abandonas la sala con una dura moraleja, es un ejercicio de crítica colectiva desde un teatro romano. En un escenario histórico que pese a lo que nos pese servía antaño para lo mismo: el circo. Y en un época donde parece que empieza a faltar el pan, desgraciadamente seguiremos pidiendo más  circo.

Y espero que Alex de la Iglesia nos lo siga dando su manera, sin concesiones, con su tono salvaje y afilado, pero esta vez tristemente realista.

NOTA: 3,5/5

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Desde RACCORD esperamos que The Artist arrase esta noche en la 69º edición de los Globos de Oro ¡ Mucha suerte a todos los nominados!

 

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Ryan Gosling nos conduce a los 80

La película se abre de manera directa, frontal, sin cortapisas: un contrato de trabajo para nuestro protagonista (Ryan Gosling) en el que expone sus condiciones para conducir a unos atracadores a casa. Un tipo que lo tiene claro y cuatro ruedas. Drive es un ejercicio estético de conducción, de violencia por amor, que oscila entre el cuento de hadas y de cine sobre ruedas.

Cinco minutos en los que te conducirá a su merced. Un trabajo a medida para un especialista de cine anónimo, tan anónimo que no sabemos ni su nombre a lo largo de la película. Un personaje frío e impecable, carente de expresión salvo la sonrisa que comienza a esbozar tras conocer poco a poco a Irene (Carey Mulligan) y a su hijo Benicio. Y ahí comienza la verdadera carrera, el cambio del héroe de hielo que ayudará a su nueva familia con sus problemas. Drive es la épica del volante guiado por Ryan Gosling. No se involucra, no sufre, es un profesional con doble fondo que se gana la vida sin pena ni gloria, pero (¡0h!) se enamora y entras en juego sus sentimientos sobre frío tacto de su volante.

El guión no es nada del otro mundo, pero la película convence por la estética que emana, que sin ser un homenaje a grandes películas de conductores (muchos dicen que se trata de un remake encubierto de la genial The Driver del poliédrico Walter Hill) nos muestra al nuevo héroe crepuscular americano.

 

Y, puestos a comparar, Gosling recuerda a un Clint Eastwood algo afeminado (sin menospreciar su papel). Una especie de hombre sin nombre pero sin poncho y con chaleco de escorpión dorado.

Pero repito, Drive es una buena película, que aconsejo a los amantes de la adrenalina, donde las escenas de acción, si bien algo salvajes por momentos se construyen de manera precisa y creíble. Los 80 parecen fluir tanto en la banda sonora con música tipo Kraftwerk. El compositor Cliff Martinez se dejó llevar por esta canción de Kavisnky para componer el resto de la banda sonora, que nos guía por Los Ángeles acompañando a transiciones nocturnas de la ciudad que recuerdan a cualquier serie policiaca americana. Todo muy retro, pero que funciona. Un buen recubrimiento a una historia simple pero muy bien contada. Neon-noir llaman a este subgénero que mezcla lo mejor del cine negro de Los Ángeles con el llamado ci- fis (Blade Runner de Scott es el ejemplo más claro).

La sensación de libertad al volante, de velocidad, del coche como arma se agarra con fuerza unos secundarios de lujo y muy televisivos: Bryan Cranston como Shannon, el “protector” de Gosling, Albert Brooks y Ron Perlman en el papel de malos y la aparición de Christina Hendricks que más parece un cameo.

La película se basa en una novela de James Sallis pero el director danés Nicolas Winding Refn se tomó muchas libertades a la hora de rodar, y no lo hizo mal ya que el jurado de Cannes le premió como mejor director en la edición de 2011. Según nos cuentan por aquí lo que es seguro es que este año nos empaparemos de Ryan Golsing, que ha recibido una doble nominación a los Globos de Oro ( por Drive y por Los Idus de Marzo)

Drive es una buena apuesta para empezar el año, una buena película que apuesta por el impacto emocional del espectador, con una estética retro y un protagonista parco en gestos pero no en acción al volante.

¡ Feliz Año nuevo para los lectores de Raccord ! Seguid atentos porque el blog crecerá dentro de poco…

 

 

NOTA: 4/5

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The Artist: arte mudo, brillante y actual

Hollywood, 1927. El cine se va a escuchar y no habrá vuelta atrás. Renovarse o morir. Asi de fácil. George Valentin (Jean Dujarin) la gran estrella de la pantalla del momento se niega a ello y caerá en el olvido. Una bellísima joven promesa, Peppy Miller (Bérénice Bejo) coge el guante y empezará a brillar poco a poco en el firmamento de las estrellas. No falta el avezado productor cinematográfico con brutal olfato para los negocios (John Goodman) y hasta chofer-mayordomo (James Cromwell). El auge y caída, el cambio, los destinos entrelazados de los dos protagonistas ocupan durante  100 deliciosos minutos la pantalla. No parece una historia nueva, lo nuevo es que la película paradójicamente vuelve al pasado en la forma de contarlo ya que es muda y en blanco y negro.

Viajar literalmente 84 años en el tiempo, tanto en el que  como en el como. Como he dicho el guión no es una trama nueva, grandes clásicos han tocado este tema con éxito – el renovarse o morir en el cine- no nos olvidemos de Cantando bajo la lluvia (Stanley Donen, 1952) o El crepúsculo de los dioses (Billy Wilder, 1950) por citar algunos ejemplos.El mismo Chaplin renegaba del sonido y creo obras maestras cuando el cine mudo pasó de moda… A Hollywood le encanta filmar sobre Hollywood, en la época que sea, aunque esta vez el equipo de producción sea francés.

En una entrevista para la revista “La Gran Ilusión” con el director y guionista Michael Hazanavicius he podido leer la siguiente declaración “las mejores películas que han envejecido y mejor soportan el paso del tiempo, sin entrar en comparaciones, son los melodramas. Son un género especial para el formato: historias de amor muy sencillas, historias que son grandes películas, incluso obras maestras. Había que ver si el público actual quería ver esas películas”. Y parece que sí, que el público se está sorprendiendo con esta historia.

The Artist perdió la Palma de Oro en Cannes frente a El árbol de la vida, de Malick , pero Dujarin se alzó con el premio al mejor actor. Y puede dar el campanazo en los Globos de Oro ( tiene 6 nominaciones). Lo espero con todo mi corazón. Y ya de paso ¿por qué no los Oscar? No estaría mal que todos los cines del mundo proyecten esta maravilla en sus salas y que se alce con la estatuilla a la mejor película. No estamos ante un cine de nicho: la historia es universal, el guión entretenido, asequible, risas y llantos… y no olvidemos la banda sonora, que aunque sea muda Ludovic Bource no defrauda con una partitura de época que suena muy actual.

Casi siempre concluyo una crítica pidiendo la asistencia al cine, esta vez voy más allá: The Artist es una película sobre las películas, es cine a través del cine. Una perla en un mundo que cambia sin saber muy bien hacia donde, que se expresa de manera brutal en todas las ventanas posibles, que nos satura de efectos y explosiones, donde el como se corrompe queriendo ir hacia adelante.

 

Pero, algunas veces tenemos la suerte de avanzar hacia el pasado y darnos cuenta que el como de hace casi un siglo puede transmitir emociones, valores, ideas, entreternos, hacernos soñar y volar. Porque al fin y al cabo eso es el  cine. El como lo cuentes mejorará o no el contenido y en este caso, lo ennoblece hasta convertirlo una joya visual. Quizá es lo que tiene ese lenguaje universal llamado el cine y que amamos…


NOTA:  5/5

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¡Desde Raccord os deseamos Feliz Navidad y un feliz 2012!

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El dios salvaje nos visita

¿Qué hace una pareja de padres civilizados neoyorquinos, parisinos, londinenses (occidentales al uso) cuando sus hijos pelean con consecuencias físicas? Tratan de aclarar el malentendido de una manera civilizada. Aplacar el dios salvaje de nuestros hijos en una apacible y conciliadora reunión a cuatro.

Y al menos es lo que Penelope Longstreet ( Jodie Foster) mujer de férreos valores pretende hacer convenciendo a su marido Michael (John C. Reilly) para dirimir el asunto con los padres del niño agresor, la adorable y precisa pareja de los Owen formada por Christoph Waltz y Kate Winslet.

Velada agradable, pastel y café. Y la tensión crece por momentos,porque nada es lo que parece. Sin embargo la superficialidad de la situación comienza a volatilizarse a medida que la merienda se convierte en una inusitada pelea, porque, al fin y al cabo,que demonios, mi hijo tiene la razón ¿no?

Lo imprevisible torna en tragedia macerada por las salvajes interpretaciones de los cuatro actores, que durante los 80 minutos más hilarantes en mucho tiempo, desnudan sus verdaderos yos. Y de paso Polanski patea la entrepierna de nuestra corrección política imperante, llevándose por los aires las máscaras que Occidente los pone para tapar nuestra soledad y egoísmo: el progreso y nuestra dependencia de la tecnología, la feminidad, los roles paternos, Occidente, el ego… Nuestro dios salvaje se manifiesta y no podemos controlar sus reglas, reventando ese mundo de las apariencias desde un coqueto apartamento de Nueva York.

Una pelea infantil con consecuencias extrapolada al plano adulto. Una declaración de paz entre progenitores que acaba sacando con fuerza -aunque sin pretenderlo- las miserias de occidente. La obra de Yasmina Reza, estrenada primero en salas de teatro de medio mundo se traslada al cine sin perder la esencia teatral. Divertida, satírica pero dura y reflexiva.  Altamente recomendable, como ir al teatro pero de la mano de la magia del montaje invisible mezclado con unas actuaciones soberbias en donde Waltz y Foster destacan (aunque por exigencias de guión,seguramente)

Quizá el fallo sea que su final no acabe de cuajar, ya que tras la explosión de los protagonistas, la salida sea banal antes la profundidad de los temas tocados. Sin embargo, toque Buñuel surrealista junto a las situaciones Monty Phytonescas de los personajes y la espiral de genialidad verbal del guion logran la empatía del público, que contempla a caracajada limpia como se va nuestra falsa moral por el sumidero.

¿Podemos extrapolar esta crisis de valores occidentales,  o la hipocresía moral de occidente? Viendo el historial del prófugo director y la ambigüedad de su caso con la justicia estadounidense, Polansky  reivindica al dios salvaje que todos llevamos dentro. 80 minutos que removerán tu conciencia, morirás de risa o las dos cosas. Lo hace sin una gran banda sonora, sin efectos especiales, tampoco tratan de moralizar nada aunque lo consiguen, no hay nada heroico en lo que hacen: cuatro personas en una habitación exorcizando a su dios salvaje.

NOTA: 4/5

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El Unicornio ya no es un secreto. El Tintín de Spielberg y Jackson

Historia de aventuras en una Europa que va despertando tras la Segunda Guerra Mundial. Un periodista belga investiga el hundimiento de un barco llamado ” Unicornio” así como la posterior caída en desgracia de la familia Hadoque, propietaria del buque en tiempos del siglo XVIII. Sin embargo no es el único que lo hace. Un gran misterio está detrás de todo esto. Por cierto: el periodista se llama Tintín y tiene un adorable perro blanco, llamado Milú. A millones de personas esta historia no les parece nueva, pero hay mucho más…

Hagamos un ejercicio de imaginación: llame a Peter Jackon,compre a tocateja los derechos de una de las mejores sagas de la historia del cómic europeo (ya lo he dicho antes un tal Tintin, periodista belga con un perrito blanco llamado Milú) y con ello la suerte de que los guiones y hasta el story-board están hechos. Ahora junte un buen reparto para su película, por ejemplo Jamie Bell en el papel protagonista, Andy Serkis como el capitán Haddock  y Daniel Craig como archi-villano.

 

 

Eso sí, dígales que es en 3D pero capture sus movimientos y luego fusione el resultado: obtendrá algo nuevo y maravilloso . Añada los argumentos y la trama de los álbumes favoritos de Hergé, el creador de Tintín El Secreto de Unicornio, El Secreto de Rackham, el Rojo y algún detalle de El cangrejo de las pinzas de oro).

Una vez tenga su producto, bombardee al público europeo con marketing del bueno y prepare al pueblo americano de la llegada del nuevo héroe ( ya Hergé no es muy conocido a ese lado del Atlántico). Acto seguido, espere pacientemente el estreno de su película y vea como le vuelven a aclamar en el mundo entero, ¡Ah! No se olvide estampar su firma en el proyecto: Steven Spielberg.

De manera paródica ha sucedido algo así y solo hay que ver los resultados:  más de 5 millones de euros recaudados en su primer fin de semana en España. Y no tiene pinta de parar. Realmente hablo como fan del cómic, si bien la puesta en escena me ha maravillado ciertas partes del guión y de la acción parecen un pastiche de acción sin sentido ( se podría haber sido un poco más fiel a los álbumes en ciertas partes, si bien en su mayoría así ha sido). Pero una de las características de Spielberg es intentar homogeneizar a la audiencia, es decir, lograr que la gente que no tiene ni idea del pequeño belga pueda disfrutarlo como el que más y a los fans de toda la vida, mostrarnos una arriesgada manera de ver de nuevo a nuestro héroe. Detalles maravillosos, desde el vestuario digital, ojo a las transiciones, la sensación de viajar en el Karaboudjan , o de caer en el Sáhara, de escuchar a Bianca en realidad o conocer a Néstor… ( no es spoiler, ya que el conocedor de los cómics sabe a lo que va y el que no, pues que lo descubra)

Esto del 3D es otra pasta. No podemos olvidar la maravillosa serie de dibujos animados o las películas de carne y hueso de los 70 y 80 (como esta rodada en España) en donde tenemos precedentes audiovisuales de Tintín. No puedo ser nada objetivo pese a los fallos antes mencionados.Rompo una lanza por Tintín y su nueva imagen. Y aunque a muchos puristas les ha parecido aberrante, conviene arriesgarse para que las nuevas generaciones conozcan al periodista de papel más grande de todos los tiempos.

NOTA: 4/5

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Tu casa es tu castillo si Luis Tosar te deja

Tu casa es tu castillo. Y si tienes la suerte de vivir en una finca de categoría, tu portero será uno de los guardianes de tu intimidad. También arreglará tus grifos, te saludará amablemente por las mañanas, cuidará tus plantas cuando no estás… o no.  Jaume Balagueró al mando, con la ayuda de Luis Tosar se encargan de que esto quede muy lejos de la realidad.Todo ello producido por Filmax y tras arrasar en Sitges.

Volvemos, como sucedería en REC, a la premisa de una completa comunidad de vecinos barcelonesa, probablemente cerca del Paseo de Gracia o Sants. Una comunidad idílica en la mejor zona de  Ciudad Condal. Todo parece maravilloso. Y, aparentemente, lo es.

César (Luis Tosar) es ( parece ser) un hombre afable y atento, un profesional del rellano, la apariencia gris de un hombre invisible salvo para saludar por las mañanas y barrer. La actuación de Tosar soporta el peso de la película, su figura torva y desquiciada mientras duermes maquina poco a poco la destrucción total de ese paraíso terrenal urbano. Actúa como un maestro de marionetas en la oscuridad sobre los inquilinos, sin que ellos lo sepan. Sus razones tendrá, eso es lo mejor de film. Sus razones que se van descubriendo.

Marta Etura, inquilina del 5ºB es la contraposición total de César, es el alma del edificio, la felicidad encontrada. Su relación con César capitaliza la acción de la película hasta desquiciar al espectador. Y esa relación acaba transformando a los protagonistas de la forma más insospechada ( y que no desvelaré aquí).

Y el espectador se muestra a la expectativa de lo que va viendo.Es un película híbrida que auna bastantes géneros : cine de miedo, de suspense, de terror psicológico y hasta negro…

Atmósfera de la cotidianidad más típica: ancianas con perritos, familias con niños, una pequeña empresa en el primer piso, una joven arquitecta de éxito.,un jubilado… esa atmósfera se vuelve axfisiante poco a poco, mientras los planos se van cerrando en manos del portero, que controla mucho más de lo parece en la idílica finca. El miedo a lo cotidiano y lo peor, la sensación casi plena de verosimilitud con la realidad, o en otras palabras: nos podría pasar a casi todos.

Con una música ecléctica y efectiva de Lucas Vidal, y libreto de Alberto Marini, cierran el reparto un Alberto San Juan brillante alejado de sus registros cómicos habituales, Petra Martínez como vecina cotilla y también Carlos Lasarte, Pep Tosar, Amparo Fernández u Oriol Genís.

Por último volver a recalcar lo impecable de Tosar, capaz de destemplar al más frío espectador, con una actuación tan creíble que di gracias a Dios de no tener portero en casa. Luis Tosar es el mejor actor que tiene el cine español, capaz de pasar de un preso amotinado, a un parado gallego, a maltrador a portero de comunidad pija barcelonesa que no sabe lo que se les viene encima. Porque te vigilará mientras duermes.

NOTA: 3,5 /5

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Tintín con su inminente estreno en España y Nanni Moretti tras su paso por SEMINCI tendrán cabida en Raccord muy pronto. ¡ Seguid leyéndonos!

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Papá… ¿Los mosqueteros vuelan? Sobre D´ Artagnan y cine histórico

Los tres mosqueteros en tres dimensiones. Puro espectáculo visual a lo largo de casi dos horas. Pero ya está: espectáculo visual. Fotografías, vestuario y bombazos…Todo comienza como las  ocho adaptaciones anteriores, sin contar con los Mosqueperros. Luego empiezan los barcos voladores, las luchas imposibles, las intrigas… pobre Dumas. No podemos negar que la película es entretenida, pero no aporta nada de nada.

Evidentemente, al poner como director y co- productor a Paul W.S. Anderson, responsable de Resident Evil al frente de la una obra clásica de la literatura ( que seguramente no se haya ni leid0) nos pueden salir cosas como esta: aberraciones explosivas con excusa histórica, eso si, con unos efectos especiales que te dejan clavado al asiento. ¿Y la trama? A si, trama…  solo una excusa para ampliar la acción que rodea la película, una patada a la novela y con omisiones enormes. Pero no podemos dejar de elogiar la actuación del reparto: Orlando Bloom como el Duque de  Buckingham,los malos ( en especial Christoph Waltz como Richelieu sigue la línea del sanguinario coronel Hans Landa de Malditos Bastardos) y una Mila Jokovich que se ha equivocado de registro. Se nota que le ha enchufado su marido ( el director de la película, por cierto).

Y mi reflexión sigue este camino ¿las nuevas generaciones tendrán esta imagen de la corte de Luis XIII y las intrigas palaciegas? El poder que el cine tiene en la conformación de la imagen histórica del espectador no es ningún misterio. El interés por ciertos periodos históricos se amplifica según ciertas películas o novelas ( todos conocemos el desembarco de Normandía un poco mejor gracias Salvar al soldado Ryan, de Spielberg o incluso Malditos bastardos, de Tarantino hizo dudar a mucha gente sobre la muerte de Hitler, muerte que se encuentra muy bien relatada en El Hundimiento de Oliver Hirschbiegel). El cine es un gran transmisor del pasado, para bien o para mal.

Matizar la importancia del cine como puerta al pasado, como creación de mundos y recreación de los mismos. La historia se pude mostrar de muy buenas maneras en la gran pantalla ( y se ha hecho y espero que se siga haciendo).

En definitiva, la falta de ideas en Hollywood, la transfusión de talento a las series y los elevados presupuestos con los que cuentan harán que clásicos de todo tipo vuelvan a la pantalla reconvertidos en bodrios palomiteros de alta rentabilidad.

La Historia, el cine de culto ( tiemblo ante el anunciado remake de Scarface) y las novelas se reconvertirán en videoclips de dos horas, que si bien sobrecogerán por su calidad técnica, no lograrán ni de lejos el impacto y trasfondo del original. No se deberían tocar ciertas películas. No me gustaría ver al Cid reconvertido en cyborg. Al menos por dignidad. Pues eso, uno para todos y todos para uno, esta vez con ametralladoras…

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NOTA: 2/5


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El árbol de Malick: poesía disfrazada de blockbuster

Cine de élite vendido a las masas vía Brad Pitt/Sean Penn.  Dos horas y veinte de lirismo, filosofía y poesía encerrados visualmente en una cápsula de luz espacial y música clásica. Una película construida a base de sensaciones, encuadres imposibles y planos infinitos. Eso de entrada.

Los trailers y resúmenes  no te dicen nada acerca de lo que vas a  ver:  te hablan de un padre (Brad Pitt) en el Texas de los 50, mientras el sueño americano se forja en una familia de clase media y una madre buena, firme y serena (Jessica Chastain) y su relación con sus tres hijos. Disciplina y amor. Hablan del crecimiento y de la relación del mayor con su padre, principalmente. Del sentimiento de culpa, de la perseverancia y el fracaso. Realización bellísima en todos los aspectos, con una dirección de fotografía de mexicano Emmanuel Lubezki que merece el Óscar.

Pero esa solo es una parte, la más convencional. La película tiene partes bien diferenciadas: tenemos la  pérdida, tenemos la vida y la muerte, tenemos a Dios y a Job. Un maremágmun de ideas que el director nos trata de proyectar a lo largo de la película. Por eso, el espectador medio se sentirá abrumado ante lo que esperaba ver y es por eso que haya tanta división en torno a esta película.Un mosaico salvaje y dificilmente digerible si la planteas como entretenimiento de sábado.

Pero lo que de fondo da ( a mi juicio)  unidad a la película, bien puede ser la interpretación de su banda sonora,  -toda ella música clásica original- el leitmotiv es una bellísima pieza musical de François Copuerin, compositor francés del  siglo XVIII, titulada “Las Barricadas Misteriosas”. La escucharemos en los mejores momentos y el propio título nos aferra al misterio de la vida en todos sus sentidos.

 

No es una película de consumo rápido, es una película para filósofos, para ir solo a verla, para reflexionar sobre grandes temas. Es arte con un embudo comercial que ha hecho aflorar  críticas inmisericordes del tipo: “menudo tostón” pero también una espectacular recaudación en taquilla.

Podemos interpretarla como un documental pero de ficción. Una maravilla de la técnica al servicio de la reflexión y con el innegable sello del perfeccionista Malick, un director que en 40 años solo ha realizado 5 películas y cuyo cine se considera de culto.

Terrence Malick, que además escribe el  guión, recibió la Palma de Oro de Cannes este año por la película, en un auditorio donde también recibió abucheos por su film. Porque como ya he dicho, El árbol de la vida, no es cualquier cosa.

Id a verla, pero a poder ser con la mente vacía de prejuicios de todo tipo: es una joya poética, y reconozco que puede parecer lenta o presuntuosa, pero no es así. Es poesía y reflexión.

Confiemos que si ha triunfado en taquilla haya sido gracias al conjunto y no solo al binomio Pitt/Penn. Dejaros sorprender.

Nota 4/5

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La piel que habito no esconde a Almodóvar

La piel que habito, el nuevo taquillazo mediático de Almodóvar, no ha dejado indiferente a nadie. Aunque se  saca a relucir lo de siempre contra el director ( que no es profeta en su tierra, sus tintes políticos, sobrevalorado…) y es recibido como un dios en festivales como el de Cannes, hay que decir que esta película  no me parece ni de lejos su mejor obra. Si bien aunque brillante en estructura y dirección artística, la trama se vuelve fría, sórdida y acaba siendo previsible.

Poco se puede contar de este film sin desvelar toda la trama. Por lo que seré cauto. La piel que habito se basa en la  novela Tarántula de Thierry Jonquet. Partimos  de un cirujano plástico llamado Robert Legard ( Antonio Banderas) que trabajaen la búsqueda de una piel humana perfecta y  vive atormentado por la pérdida de su esposa y su hija.  Acabará obsesionado hasta la locura por su paciente Vera ( Elena Anaya). Hasta aquí puedo leer.A partir de ahí, nada es lo que parece: mezcla indistinguible de géneros que van desde la ciencia ficción al terror, pasando por la novela negra.

Puede ser un tipo de cine no explorado por Almodóvar, pero su huella está presente en sus personajes, además de ello sus obsesiones más oscuras y sus tópicos recurrentes sirven de lienzo para una película que aparentemente no tiene que ver con ellas.

Elena Anaya es Vera, una paciente del doctor Legard que salva la película desde el  punto de vista interpretativo, y consagrándose definitiva  como actriz por la puerta grande. Antonio Banderas, -a las órdenes de Pedro tras 21 años- hiperritérimo, sobrio y duro, como un zorro en un papel donde capea el temporal ( y punto). Completan brillantemente el reparto Marisa Paredes haciendo de ama de llaves/confidente/mujer fuerte tipo Carmen Maura, con Jan Cornet, Blanca Suárez, Roberto Álamo y Eduard Fernández. Personajes planos durante las 2 horas del rodaje, bastante opacos en general.

Almodovar vende. Su 18º película no es una ruptura con lo anterior, y para nada su mejor película como mucha gente ha afirmado ( seguramente no han visto Mujeres al borde de un ataque de nervios, Todo sobre mi madre o mi favorita ¿Qué he hecho yo para merecer esto?). Pero lo cierto es que la ejecución técnica de cada instante de la película es perfecto: el manchego no da puntada sin hilo. Cada plano engancha, la ejecución, la luz, los decorados y localizaciones…y mención al habitual compositor Alberto Iglesias por su banda sonora.Todo un espectáculo visual. Pero la trama tiene elementos abyectos que no aportan sino malestar visual al espectador y consigue que nos distanciemos de lo que estamos viendo.

Obsesiva y compulsiva, maniática, aberrante en ciertos momentos,destructiva, fria y calculada pero nunca indiferente. El director ha dicho en diferentes medios lo personal que ha sido este proyecto, aunque eso puede ser una pamplina comercial. Y en eso estriba parte de su mérito: que te obligue a verla para acabar de juzgarla . Yo no la veré de nuevo.

NOTA: 2´5/5

Trailer de La piel que habito

 

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