Decálogo del buen crítico de cine

Hace tiempo llego a mis manos gracias a mi antigua profesora de crítica cinematográfica de la Universidad de Navarra, María Noguera, un interesante decálogo acerca del “oficio” (si es que puede llamarse así, yo pienso que si) del crítico audiovisual y su obra.

Se trata del  decálogo planteado por el crítico y profesional Fernando Lara, que fue director durante más de 20 años de la SEMINCI y también director del ICAA.

Desde que llegó a mis manos, intento ponerlo en práctica constante, pero no siempre es tarea fácil. Buscar el equilibrio, el punto exacto, cohesionar las ideas y tratar de ser regular. No es fácil contentar a todo el mundo, y tampoco es algo que uno pretende al escribir.  La crítica cinematográfica es lo más subjetivo que hay, puede ser lo más vil y lo más arrojadizo. Se suele tildar a los críticos como trepas, como advenedizos y se les pide que si tanto saben, que hagan películas de cine. Algunos, como Truffaut, lo hicieron, pero el verdadero oficio del crítico va más allá.  Tienen que ser un canal de reflexión, valoración y posicionarse, tiene que estar formado, saber comunicar y por encima de todo amar el cine.

Como mala excusa diré que el trabajo y los pequeños vicios  me alejan del objetivo, de como mínimo, la entrada semanal. Pero me veo obligado a compartir con vosotros esta perla que recoge como deberían ser las cosas en este mundillo. Al menos si quieres criticar con éxito obras audiovisuales. Y no, no creo que esto sea una mera opinión.

 Decálogo de Fernando Lara:

1- Deberás saber que eres un intermediario entre la obra y el espectador, pero nunca el protagonista. 

2- Abordarás cada crítica como un pequeño trabajo de creación

3- Facilitarás todas coordenadas/datos que ayuden al lector, y posible espectador, a una mejor comprensión de la película analizada.

4- Irás directo al objeto de tu crítica, sin perderte en meandros que solo dificultan su lectura y comprensión.

5- No portarás datos eruditos que para nada sirvan : sólo para querer demostrar cuánto sabes de cine o de otras materias

6- No harás sólo juicios valorativos, aunque de tu escrito se acabe deduciendo tu valoración global de la obra

7- Jamás te sentirás por encima de quienes, habitualmente con gran esfuerzo, han realizado la película.

8- No serás nunca ni insultante ni despectivo con la película ni con sus responsables.

9- Utilizarás un lenguaje accesible y bien elaborado, que pueda ser comprendido por todo el mundo.

10- Estarás al día sobre teoría, historia y estética cinematográficas para que tu crítica consiga sustrato.

Estos diez mandamientos se encierran en dos:

Serás humilde con tu trabajo y te plantearás siempre tu obra como un desafío.

Y a mi jucio, una muy importante, de cosecha propia: no aburrir al lector

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Skyfall: reiniciando Bond

En el siglo XXI Occidente no necesita espías y menos en tiempos de crisis; el MI6 es una reliquia de otros tiempos donde sus agentes no necesitan vestir trajes de Saville Road o tragar martinis en lejanos casinos. El mundo cambia y sus iconos también lo hacen. Hoy día se espía con ordenadores y subcontratas, no hay bloques antagonistas, ni colonias, ni SPECTRA, por lo tanto, nada más perfecto que jubilar a 007 en una misión donde todo sale fatal.

Y con la potente premisa de borrón y cuenta nueva en el servicio secreto de Su Majestad, un psicópata de pelo rubio y aspecto simiesco llamado Silva, hacker resentido y anarquista, (Javier Bardem) pone en jaque a todo un país mientras trata de ajustar viejas cuentas con M, (Judy Dench, soberbia a más no poder). Por si fuera poco hay una auditoría de lo más salvaje en la oficina dirigida por un burócrata que no parece muy de fiar (nada menos que Ralph Fiennes). Hay que volver a la acción, sin duda.

Tras una rompedora Casino Royale (2006), que hizo saltar por los aires todos los cánones del Bond clásico cinematográfico que conocíamos (gadgets de teletienda, sección Q, alcoholismo desaforado y frases ingeniososas tras tiroteos, ácido sentido del humor, tramas exóticas, y mujeres florero) se nos lleva a un personaje vulnerable y para el que la licencia para matar es una herramienta y no un escudo vital. En fin, un personaje nuevo y más rudo, más cercano al Batman de Nolan que a la elegancia más british y letal.

Pero eso no acabo de convencer a la mayoría de los fans que durante 40 años habían conocido al agente secreto, y el chasco se confirmó con Quantun of Solace (2008), posiblemente una de las peores películas de Bond. Había que hacer algo con la saga de cara a su medio siglo de vida.  Y la respuesta fue Skyfall.

Invocar el espíritu de Sean Connery y de las ruinas del Imperio cuando tu personaje se ha convertido en una especie de Jason Bourne con acento inglés, poner a dirigir al oscarizado Sam Mendes y que el guión esté escrito por Neil Purvis y Robert Wade,  viejos conocidos de la saga, meter la maquinaria de Sony Pictures de nuevo… y con una canción de Adele en los créditos iniciales. Y la fotografía de  Roger Deakins, paradigma salvaje de la estética visual que persigue el director. La trama evoluciona desde el espionaje clásico a la acción sobrecogedora hasta parecerse a Perros de Paja con altos niveles de filosofía sobre el eterno retorno. Todo ello en la película número 23 de la saga desde que en 1962 se estrenase James Bond contra el Dr. NO

Skyfall es la respuesta perfecta a un personaje con demasiadas raíces como para talarlo mediante películas de acción baratas, es la salida a un callejón donde las productoras se habían metido años atrás, cuando la gente esperaba ver que clase de mondadientes explosivo sacaba Bond de la manga. Skyfall devuelve dignidad y madurez a la saga del espía más famoso del mundo y bajo la batuta de Mendes, la película desata de nuevo todas nuestras ilusiones, de por lo menos un día, ser 007.

En definitiva, vuelta al pasado más clásico para intentar innovar a toda costa, en una película trepidante y respetuosa con el pasado, pero comprometida por mantener la esencia Bond por lo menos otros 50 años. Que no te guste Daniel Craig como Bond, es otra historia. Pero James Bond volverá…

NOTA: 4,5/5

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Lo imposible no lo es tanto

Tailandia, 2004. Las vacaciones ideales en el paraíso reventadas por una ola de 20 metros. Ya sabemos lo que pasó después: miles de muertos, desaparecidos, destrozos  inimaginables…  Y Juan Antonio Bayona ha querido contarnos lo que sucedió a una familia española que vivió en sus carnes aquel tsunami. Por motivos del mercado, sustuiremos a esa familia nacional por unos norteamericanos rubios y adorables.

Durante dos horas eternas la pantalla patea sin piedad los sentimientos arrancando en el espectador las más altas cotas de dolor, envuelve en sentimentalismo barato la lucha de una familia, (Ewan MacGregor y Naomi Watts, estupendos como papá y mamá) y por si fuera pule de diálogos manidos y facilones la tragedia. Gracias a Dios el guión aquí no lo es todo.

La banda sonora, magistralmente orquestada y compuesta por el genial Fernando Velázquez, (firmó El Orfanato y gran documental titulado Garbo), ayuda a conducir el patético espectáculo de dolor hasta el delirio, haciéndola recargada por momentos y una brillante fotografía, firmada por Oscar Faura (que ya trabajó con Bayona en El Orfanato), que plasma hasta el detalle insólito los lugares del suceso. Las localizaciones del rodaje fueron Alicante, Tailandia y los Estados Unidos, empleándose casi 8000 extras.

La familia Bennet consigue adaptar a la naturaleza hostil para sobrevivir, y ese niño valiente y ejemplar, (Tom Holland se llama) cuya interpretación da algo de credibilidad a la tercera película más cara de la historia del cine español, con unos 30 millones de euros de presupuesto. (La primera en presupuesto es Ágora y la segunda Planet 51).

Es la película políticamente correcta hasta el extremo, sufrimiento salvaje con motivo, lucha por la supervivencia, si, pero sujetos al lagrimeo más duro.  Sin embargo, tiene bastantes puntos en positivo, para empezar,  es una película española que ha recaudado casi 9 millones de euros en su primera semana. Y no parece que se vaya a calmar…

También cabe destacar el uso apropiado de los valores de producción, ajustando el presupuesto al máximo para lograr una puesta en escena que no deja atrás a otros filmes americanos, bien por Bayona, ya que ha sabido construir una película casi perfecta, sin renunciar a internacionalizarse (el uso de actores de Hollywood recuerda al éxito de Alejandro Amenabar en “Los Otros”).

Y por último, una agresiva campaña de marketing a nivel nacional han llevado a esta película luminosa de catástrofe natural a lo más alto de la taquilla, veremos como se porta.

En conclusión: una producción española que no lo parece, como un reparto internacional que diluye la “españolidad” de la película. Esa puede que sea una de las causas de la respuesta masiva del público. Que no parece cine “de aquí”.

Todavía hay mucho prejuicio hacia nuestro cine, y ojalá películas de este calibre técnico ayuden a despejar las dudas de los más reacios hacia las producciones nacionales.

Buen producto con un acabado técnico espectacular y con un guión plagado de sentimentalismo pero ¿quien va a alzar la voz contra una familia de supervivientes en un tsunami en el Índico? 

NOTA: 3/5

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Entre Tadeos y Blancanieves nacionales

No hay mal que cien años dure y Raccord vuelve a la carga. Ha sido un verano muy largo y ahora, de lleno en el otoño y con bastantes ratos libres (que no son pocos, pero tampoco tantos como desearía, como diría el gran Juan José Cerero) vuelve el blog con nuevas sorpresas.

Muchas películas se han estrenado estos  meses: más superhéroes (tenemos otro Spiderman y asistimos al plomizo cierre de la trilogía de Batman), bluffs de Pixar (Brave), pastiches de Ridley Scott (Prometheus) ,alguna película intentó revolucionar la distribución de cine estrenando en internet (Carmina o revienta), levantando críticas y halagos a partes casi iguales… otras fueron curiosidades y financiadas tan a posteriori que no creo que nadie haya visto un duro todavía (El mundo es nuestro, con el Culebra y er Cabesa), productos nacionales que han reventado la taquilla…adolescente (Tengo ganas de ti) y muchas otras… Me quedo con Red State, de mi admirado Kevin Smith y tengo que hacerme con Amor bajo el espino blanco, de Zhang Yimou.

Pero dejadme que en la entrada de hoy me centre en dos películas españolas. Empezaré con en el taquillazo español del año,  una película de animación que no se luce precisamente por lo brillante de sus escenarios, ni la vivacidad de sus coloridos o los movimientos de sus personajes (en resumidas cuentas, no estamos ante el acabado técnico de una película de Dreamworks o Pixar) pero que no le ha hecho falta para nada. ¿Y cómo es posible? Se ha creado un guión accesible y ágil, con personajes atrayentes , plagado de gags clásicos pero con un indiscutible toque castizo que también despierta la sonrisa en los acompañantes de los niños…

Estoy hablando, por si aun no lo sabéis, de Tadeo Jones. Película que lleva, a fecha de hoy, unos 13 millones de euros, así como 5 semanas consecutivas en el número uno en la taquilla. Funciona y sigue haciéndolo . Es, como he dicho, una historia de aventuras para niños que ha roto todos los pronósticos, pero sin gracias gracias a la ayuda una buena campaña de marketing (canción incluida, que ya está en todas las listas de éxitos) un personaje protagonista que encanta a todos, y que nada (ejem) tiene que ver con Indiana Jones. Veremos que pasa en la secuela (porque seguramente desde la productora El Toro Pictures y Mediaset) se esté ultimando una segunda parte. El personaje creado por Enrique Gato ha saltado al largometraje a lo grande, y parece que se quedará algún tiempo.

NOTA: 3/5

Y la segunda película, una joya sorprendente e inesperada, hablaros de la Blancanieves española, de la de Pablo Berger, nada que ver con Charlize Theron haciendo de mala. Olvidad todo aquello que conocíais acerca de la princesa Disney, o versiones adultas y dirigíos al cine sin prejuicios. Blanco y negro, muda, aunque no sorda, con una banda sonora espectacular, obra de Alfonso Villalonga. La fotografía, cuidada hasta el detalle, está perfectamente acompasada con una fastuosa dirección artística, que recrea a la perfección la época. No es ninguna película oportunista, ningún intento de acaparar el bueno momento que tuvo The Artist el año pasado, ya que en palabras del propio director “el proyecto es anterior a la película de Hazanavicius” (resulta curioso observar, que las dos películas se ambientan casi en el mismo año, 1927).

Nos hayamos ante la extrapolación de un cuento de los Grimm a la España más oscura y preciosa, visceral y salvaje. Y sorprendentemente, encaja a la perfección. Los años 20, glorias, hambre y miserias. Toreo incluido (eso si, bajo licencia artística, amigos antitaurinos, no hay ninguna aberración). Por supuesto, no faltan  los  enanitos.

La película es inesperada en cuanto a lo estético y sorprendente en cuanto al buen encaje del cuento a la historia de España. Confío en que el público sepa descubrirla poco a poco, una campaña de boca-oreja propiciada por la gente que sale feliz de verla del cine y aguante mucho tiempo en cartelera.

Maribel Verdú y Macarena García como la madrastra y Blancanieves. Un tándem de actrices mucho más equilibrado que anteriores películas sobre el cuento. Y todos aquellos que duden de que porqué ha sido seleccionada para representar a España en los Oscar, que vayan a verla. Otra cosa es que ganemos, que sería un milagro, porque en la Academia pesa un precedente tan cercano en blanco y negro. Eso si, calidad y buena historia, no le falta para triunfar.

NOTA: 5/5

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Wes Anderson y su reino mágico…con scouts

“Dicen que el 95% de la gente que huye de casa regresa en menos de 6 horas” comenta el sheriff al caer la noche. Pero esta premisa no se cumple con nuestros protagonistas: una pareja de 12 años en plena eclosión de la vida; él, Sam (Jared Gilman),un khaki scout que decide largarse del campamento de verano y ella, Suzy (Kara Hayward) primogénita rebelde y asalvajada, hija de dos abogados con serios problemas (ni más ni menos que Bill Murray y Frances McDormand…) que viven en un enorme faro con sus otros tres hijos pequeños e impertinentes.

Todo ello sucede en la imaginaria e idílica  isla de New Penzance; hipotéticamente situada en la costa este de los Estados Unidos. Estamos en el verano de 1965 y al borde de la tormenta más salvaje en la historia reciente de la isla. Hasta aquí, todo va bien.

Luego vendrá la movilización de las fuerzas vivas de la isla, Randy Ward (Edward Norton) el jefe scout de la patrulla 55, a la que pertenece Sam, iniciará con sus chicos la búsqueda del “fugitivo” por tierra, mar y aire con la ayuda del sheriff, el capitán Sharp, que no es otro que Bruce Willis, para mi algo redimido de esta ya olvidada película. También contamos con Tilda Swinton que participará de otra manera…

A primera vista el colorido retro lo impregna todo: cada plano, cada toma, cada travelling, cada diálogo y cada mirada a cámara de los protagonistas. Puede parecer pretencioso y arriesgado, pero Anderson va más allá, detrás de su -para algunos- ñoña cáscara de luz y estatismo encontramos historias entretenidas pero con poso, envueltas magníficamente en su flamboyante universo de color y música, retro pero seguro, sin pausa narrativa y ni un segundo para el aburrimiento.

Porque ¿que estamos viendo en la película? La huida hacia delante, el amor narrado en el paraíso perdido de la infancia, el sentir de la naturaleza, de la montaña y la acampada. El País de Nunca Jamás otra vez y de otra manera. ¡Pobre del que no haya gozado de una noche bajo las estrellas o de un beso junto al fuego! Si Moonrise Kingdom les transmite ese poder, no habrá resultado en vano verla.

 Tenemos en la pantalla el lienzo perfecto para la mente de un director para el que cada encuadre es la sublimación de su estética personal, muy personal y extraña. Extraña para el que no esté familiarizado con la obra de Wes Anderson. Y es que Moonrise Kingdom es la culminación de  un estilo único e innegable de dirigir y crear películas: guiones muy preparados (este está firmado por Roman Coppola y el director), dirección artística perfecta y cuidada al milímetro, inconfundible uso de música y banda sonora (esta está firmada por Alexander Desplat, autor de la BSO de El árbol de la vida, entre otras)

Fábulas, cuentos preciosistas, demasiado indie, historias para “modernos” y pretenciosos…Se le podrá reprochar mucho al director, pero jamás su particular estilo que viene funcionando a las mil maravillas en su anteriores películas y son su seña de identidad (con hincapié en Los Tenenbaums: Una familia de genios , Viaje a Darjeeling, Fantástico Mr.Fox o Life Aquatic). Aunque criticado,  particularmente, creo que su estética tiene trasfondo, que no se queda en la cáscara eterna de cuadro de Norman Rockwell o Magritte. Sin embargo, si quieren saber más sobre la obra de Anderson, echen un vistazo a este interesantísimo artículo de María Adell.

Moonrise Kingdom abrió el Festival de Cannes este año, y aunque recibió muy buenas críticas, pasó sin pena ni gloria por el certamen. A mi juicio es su mejor película desde Los Tenenbaums, película que recomiendo fervientemente. 

El director ha confesado que quería recrear un paraíso particular al que “todos querríamos huir” y mostrarnos el amor que “empieza demasiado pronto”, una licencia para soñar pero sin ningún tipo de freno, porque no se engañen, el hecho de que haya jóvenes scouts con gorros de mapache, música de Françoise Hardy, amor fou de verano, tocadiscos, barcas, música clásica, vestidos estampados y curiosos disfraces de animales no impide buenas dosis de sangre, suspense y salvajismo, eso si, a la maniera de Wes Anderson, siempre Wes Anderson.

NOTA 4.5/5

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Para los que ya conocen al director, les parecerá un película cuajada de lugares comunes con otras obras del mismo autor. Los que no, denle una oportunidad.

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Charlize 1 – Kristen 0 Blancanieves y la leyenda del cazador

Si bien me he perdido el mes de los ultra taquillazos de Hollywood de mayo (hablo de Los Juegos del Hambre Los Vengadores) así como el desarrollo del Festival de Cannes (celebro la palma de Oro de Haneke por Amour, pero ¿no le tienen bastante mimado?, todavía no la he visto pero me han dicho que es lo mismo de siempre) retomo las críticas y noticias en blog. Este mes largo me he dedicado a licenciarme en la carrera, por lo que la asistencia al cine ha decaído bastante. Pero no hay mal que cien años dure.

La cuestión es que ayer se estrenó Blancanieves y la leyenda del cazador. Otra revisitación de un clásico infantil que todos conocemos, evidentemente sin rozar el mito de Walt Disney, pero un buen intento de dotar de épica y trasfondo al cuento de los hermanos Grimm. Siguiendo una estética tenebrosa, y a medio camino entre un El Señor de los Anillos de bajo presupuesto y el Robin Hood de Kevin Costner, la película avanza sin dañar al espectador y bajo los postulados del cine de aventuras más comercial. Rupert Sanders se estrena como director en la película de manera bastante conservadora. Una aceptable ambientación medieval y estilística, con una fotografía visualmente muy poderosa.

¿Que aporta esta versión? Quizá volver adulto el clásico, sin pretender muchas sorpresas con respecto a la versión animada pero con una abismal diferencia con la versión colorista-ladygagania de  Mirror, mirror, que también actualiza a Blancanieves a su manera carnavales y burlona. Digamos que el guión no ofrece sorpresas significativas,cae en el total maniqueísmo belleza/oscuridad con manzana envenenada incluida. Tampoco hace falta más.

Pero lo que de verdad da lustre a esta película, lo que ennoblece y otorga distinción, lo que puede que perdure de esta obra es una Charlize Theron suprema. Su papel de reina/bruja/malvada sin corazón, de belleza congelada ensombrece y deja en un segundo plano a Blancanieves.

No sé a quien se le ocurrió poner a Kristen Stewart como heroína, reconvertida en una especie de Juana de Arco de plástico mata brujas. Según la revista Forbes, Kristen Stewart es la actriz más rentable de Hollywood, generando casi 56 dólares por dólar invertido. Pero no nos engañemos, la de Crepúsculo es una estrella adolescente, un ídolo de masas teen mientras que Charlize es una diosa del celuloide, una actriz con mayúsculas. La amante del vampiro será pura rentabilidad pero mantiene el mismo rictus en las dos horas largas de la película. No me la creo en ninguna de las facetas que la he podido ver, y veremos que tal lo hace en On the road del brasileño Walter Salles. Total, que pasé la mayor parte de la película del lado de la reina bruja, porque además de todo, es mucho más guapa y creíble que Blancanieves.

Aparte del -ejem- duelo de actrices que centra la trama de la película, tenemos que hacer una mención a los enanos barrocos maravillosos que intentan redimir a la jefa rebelde, enanos digitales, ya que son actores “miniaturizados” tecnológicamente.   Me dejo al cazador, Chris Hemsworth, en el papel de héroe secundario y vacilón que nos guía por el bosque oscuro psicotrópico y letal Veremos como se comporta la película en taquilla este fin de semana, seguramente sea el estreno más taquillero del viernes y de la semana, además hemos visto una importante campaña de marketing  en todo tipo de medios por parte de Universal, la distribuidora de la película.

En definitiva, una aceptable película de aventuras para ver en el cine en familia o en pareja. Más cercana por momentos a Eragon que a otra cosa, pero bastante aceptable para pasar una tarde de viernes con tu novia si esperas una película de aventuras palomitera y sin pretensiones.  Sobre todo por Charlize, que lo borda en su papel de reina come corazones y adicta a la belleza, capaz de seguir eclipsando a todo tipo de reinecillas adolescentes enfundadas en hojalata.  Es por eso que Charlize debería haber sido Blancanieves, me la hubiera creído más.

NOTA: 3/5

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Para los que penséis que me he vuelto loco criticando esta película deciros, que decidí dar una oportunidad a Men in Black 3. ¿Mejoría tras la vergonzosa segunda parte?, ¿recuperar los niveles de excelencia humorística de la primera, de diálogos de locura, de Tommy Lee Jones superior, carreras de Ford mierda GTI a velocidad supersónica y perros parlanchines? Pues lo hace y bastante bien parada.

Y para los más sibaritas, recordaros que hoy es el cumpleaños de Alain Resnais. 90 años y sigue haciendo cine.


Foto de las protagonistas en la presentación de la película en Madrid, en serio, ¿quien tiene pinta de bruja?


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Bruce Willis me debe una explicación

“Te debo una explicación” le dice Bruce Willis a su hijo camino de Madrid. Explosiones y bombazos a tutti. También está la gran Sigourney Weaver empuñando una uzi. Trailer impactante y poca información previa. ¿Que más da?  No hace falta. Estamos de vacaciones y necesitamos algo de acción. Necesitamos una tarde con el tío Bruce haciendo saltar todo por los aires. Y el factor Madrid hace la película más apetecible. Evasión que apetece de buen grado. Allá vamos. Tres mozos cargados de testosterona con ganas de acción esperando ver una buena dosis de galletas de la mano del señor ex-John McClane. Entrábamos a la sala para ver La fría luz del día. No todo van a ser películas francesas…

Will Shaw (Henry  Cavill) viaja a España de vacaciones con su familia. Su padre Henry (Bruce Willis) no se quien parece ser, un aburrido agregado cultural en la Embajada, en realidad es un peligroso agente de la CIA que la ha liado parda (¿por qué todos los agregados culturales suelen ser espías?)

Total, que alguien secuestra a su familia por un error de Henry y hay que encontrarles antes de que  les maten… y descubrir la verdadera personalidad del espía agregado cultural. Luego aparece Sigourne Weaver con un papel polivalente de mala que parece buena. Hasta aquí el planteamiento es típico. Luego todo se tuerce y se convierte en una decepcionare caricatura del cine de acción.

 

¿Que tenemos delante? Una parodia ibérica con actores americanos, la única que se salva es Sigourne Weaver haciendo de mala. La película es una mezcla barata de El caso Bourne con Bienvenido Mister Marshall, un quiero y no puedo de cine de acción, en donde se han gastado más en contratar a Bruce Willis que en planificar un tiroteo o una persecución como Dios manda. Todo en la película tiene un toque cutre, hasta Óscar Jaenada en su papel de jefe de discoteca-mafioso-kinky-pirata del Caribe. También está Verónica Echegui, famosa por Yo soy la Juani (lo mejor de la película de Bigas Luna es ella) y quizá lo mejor de la película, aunque tampoco es mucho decir.

 

Aviso de SPOILERS a partir de aquí . Y lo hago por que ha sido una de las películas de acción más decepcionantes que he podido ver en la vida. Os advierto desde aquí, si lo que deseáis es ver a Bruce Willis repartiendo estopa en la capital del Reino, no la veáis.  Si lo que esperáis es una huida de los tópicos españoles en pro de una peli de acción seria (policías mostachudos jugando al tute en tascas, tiroteos sin sentido,una visita turística por Madrid carente de interés…) no entréis ni de lejos al cine. Si esperáis ver una historia coherente de rescate, aderezada de adrenalina y con la credibilidad del buen género, olvidad que existe esta película. De hecho, hasta el póster es una mentira…todo el trailer es una mentira y que Bruce Willis palma a los 10 minutos de película, por no hablar de un guión que parece estar escribiéndose sobre la marcha.FIN DEL SPOILER.

La fría luz del día la dirige Mabrouk El Mechri, director la genial JCVD, una gran película de acción que si que os recomiendo y no esta broma pesada. Espero que el estreno de ciencia ficción y acción de esta semana, Battleship,que por cierto lidera la taquilla española esta semana sea más entretenida. Por que entretenimiento fue lo que nos pasamos buscando los 95 minutos de película y brilló por su ausencia. Así como también Bruce Willis, del que espero una pronta mejoría o una buena y honrosa retirada. Tendría que haber ido a ver Grupo 7.

NOTA: 2/5

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Intocable, la comedia francesa toma la taquilla de marzo

Tras cuatro semanas de su estreno, la película más taquillera de la historia de Francia, Intocable, no tiene rival en la taquilla española. A continuación la crítica de la película del mes y una comparación con los datos de taquilla de marzo, así como una pequeña reflexión sobre el cine francés actual.

Suelo huir del tópico aquel de los extremos que se tocan en el cine: personajes contrapuestos que acaban cayéndose bien, esperando buscar la sonrisa políticamente correcta del público y la moraleja fácil. De hecho, estoy seguro que mucha gente que muestra o mostró un rechazo inicial a esta película fue por ello. Pero nada más lejos de la realidad, palabra. Intocable es el ejemplo de cine rentable y de calidad, dirigida por la pareja de directores franceses Olivier NakacheEric Toledano.

Hablemos de Driss (Omar Sy), un joven inmigrante senegalés ( al que vimos en Micmacs) que es contratado como asistente por Philipe (François Cluzet), uno de los hombre más refinados y ricos de  París, tetrapléjico tras un accidente en parapente.

A partir de ahí vemos el trabajo del senegalés en el selecto ambiente de la alta burguesía parisina y el conocimiento mutuo de nuestros protagonistas. Les veremos conocerse, hacerse cómplices, viajar, bailar, volar y crecer, si en cierto modo a los dos a su manera, pero sin buscarle mucha profundidad y golpe de carcajada salvaje. Tenemos situaciones absurdas y tronchantes como la de la ópera o en el cuidado del día, los mismos problemas vistos desde otra perspectiva y también momentos duros y tiernos ¿Para que más? Esto no es un drama social, es una comedia clásica a la francesa. Y funciona

No existe una manipulación emocional, si bien existe un contraste radical entre los personajes, no se utiliza como arma argumental de hombre rico, hombre pobre.  No nos habla de las clases medias y altas francesas ni de la dificultad de integración de ciertos colectivos de inmigrantes , no nos habla de la desigualdad directamente, solo busca contar una historia bonita y tierna, un historia de amistad y lo consigue. Y además lo hace, como he dicho, con un humor salvaje y propio, ajeno al empalago de este tipo de películas. ¿Película de aprendizaje? En cierto modo. Una película que causa buena sensación, que sales del cine tras un paseo audiovisual por París, con la inigualable banda sonora de Ludovico Einaudi jalonando una amistad optimista basada en una historia real, y muy divertida.


Las cifras hablan por si solas con está película. Intocable lleva desde el 9 de marzo en las pantallas españolas y nadie le está haciendo sombra: ni la fallida, luminosa y flamboyante John Carter (que ha dejado un magnífico pufo a la Disney de unos 150 millones de dólares), ni Julia Roberts en Blancanieves, estreno bastante flojo en comparación con Todos los días de mi vida, estrenada ese mismo fin de semana o el pinchazo de Extraterrestre de Nacho Vigalondo, que en su estreno sólo consiguió recaudar 89.000 euros pese a estrenarse en más de 100 salas. Tampoco ha podido con Intocable el dramón político y algo soporífero de George Clooney y Ryan Gosling Los idus de marzo, por citar alguna película significativa del mes.

Lo que si es cierto es que tras casi 4 semanas en la cartelera española está funcionando espectacularmente y sigue líder. No podemos olvidar que ha sido la película más taquillera de la historia de Francia y que 19 millones de franceses han ido al cine para verla, (sin olvidarnos de las “otras ventanas o vías” piratería). De momento más de 840.000 españoles han visto Intocable, se ha estrenado en más salas y queda una Semana Santa por delante en donde seguro aumentarán estas  cifras.

Intocable ha sido la película de marzo por méritos propios. Para Una pequeña reflexión ¿podemos alcanzar este nivel de calidad en España? ¿por qué no se hace si tenemos medios y talento? ¿no se agradece que una película tan fresca y optimista este consiguiendo estos números? ¿no os da envidia Francia haciendo cosas así?

En Francia consiguieron con The Artist o Bienvenidos al norte cifras de infarto en número de espectadores y aceptación y lo han vuelto a conseguir con Intocable. Pese lo que nos pese, nuestros vecinos de arriba saben hacer bien las cosas y exportarlas con éxito. No os la perdáis.

TRAILER DE INTOCABLE

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NOTA: 4/5

Desde Raccord estamos muy pendientes de Los juegos del hambre, cuyo estreno ha pulido todos los registros en EE.UU con más de 155 millones de euros recaudados en su estreno. Feliz Semana Santa.

 

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Hugo también es Scorsese

Corre el año 1931. París ha renacido de sus cenizas tras la I Guerra Mundial. Hugo Cabret (Asa Butterfield), un niño huérfano, vive cual fantasma en la estación de Montparnasse tratando de reparar un autómata plateado, lo último que le queda de su padre (Jude Law). Para ello hace todo que tiene en su mano, incluso robar piezas al juguetero de la estación, un tal Georges Méliès (Ben Kingsley en todo su esplendor).

Mientras Hugo persigue su sueño, la estación parisina bulle contando las vidas de sus inquilinos, como Isabelle, la ahijada de Méliès que endulzará la vida de nuestro protagonista, pero también músicos famosos, kiosqueros enamorados, libreros con mucha clase (Christopher Lee), floristas coquetas (Emily Mortimer)  y el salvaje inspector de la estación (Sacha Baron Cohen), especialista en mandar niños al orfanato bajo cualquier pretexto.

Basada en el libro La invención de Hugo Cabret del escritor norteamericano Brian Selznick, aunque parece ( y también lo es) una fábula familiar con toques de Dickens o Zola… la película va mucho más lejos de todo ese mundillo parisino de pilluelos y croissants.

La historia de Hugo y su autómata es, a mi juicio, solo una excusa de Scorsese para homenajear a uno de los pioneros de la cinematografía, Georges Méliès: mago, actor, montador, productor y genio. Un desconocido a los ojos del gran público pero al que la ficción debe mucho. Un innovador caído en el olvido cuya figura se reivindica con fuerza en la película, ya que reivindicar a Méliès es reivindicar al cine en mayúsculas. Y cuando lo hace Scorsese ese homenaje no puede ser nada desdeñable, aunque vaya dentro de una película familiar.

También resulta paradójico que para homenajear a un innovador Martin Scorsese haya utilizado el 3D más vanguardista, pero con auténtica maestría ya que la profundidad de campo en la película es todo un prodigio. Como apunta el crítico cinematográfico Israel Arías “el 3D de Hugo no salta hacia el espectador, no lo apabulla ni invade su espacio, sino que consigue que se sienta plácidamente dentro de la historia, dentro de la estación, dentro de su reloj y, también, dentro del taller de Méliès”. Si sumamos la dirección artística convencional  y una  fotografía envidiable, combinado con la música de Howard Shore nos queda una película técnicamente perfecta. Y sus 11 nominaciones, incluyendo mejor película, lo avalan.

Si al entrar en la sala esperas encontrar al Scorsese de Shutter Island, Infiltrados Taxi Driver mejor que ni te lo plantees, si lo que quieres es descubrir el lado cinéfilo y tierno del italoamericano y no lo has hecho aún, esta es tu película. Nada mejor que el homenaje de un maestro a otro para que tus hijos aprendan cine.

La invención de Hugo no es ni  lo mejor ni lo peor de Scorsese: es una película familiar con mucha clase. Con homenaje incluido al arte más completo: el cine. Y solo por eso merece la pena verla.Podrá romper los registros previos del director pero para nada su compromiso con el cine en mayúsculas. Es la afirmación clara de que un buen realizador puede moverse en todos los registros: desde el cine de gánsters, al de época, hasta brillantes documentales… Para el que no lo sepa todavía Scorsese es mucho más que asesinos a la italiana.

NOTA: 4/5

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Por último,quisiera mostrar mi alegría por el triunfo de No habrá paz para los malvados en los Goya. Os dejo lo que a mi juicio fue lo mejor de la noche. No vamos a hablar del discurso del presidente de la Academia, Enrique González Macho por aquí.

¡Ah! Como todos ya sabéis mañana por la noche son los Oscar. Mucha suerte a Alberto Iglesias y Chico y Rita en sus categorías.Aunque tengo mis esperanzas puestas en el triunfo apabullante de The Artist ,otro gran homenaje al cine.

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Visitando a Medrano: crónica de un cortometraje prometedor

Hoy voy a hablar de un cortometraje. Se estrenó  oficialmente en Pamplona el pasado 8 de febrero y ahora comienza su aventura en internet. Se titula “La visita de Medrano” y he tenido el honor de ayudar a gestarlo. Intentaré ser lo más neutral posible (pero no lo prometo)

Bajo el paraguas de la asignatura de Producción cinematográfica y televisiva II de la Universidad de Navarra, que imparte el profesor Alex Pardo y como práctica final de la misma, surge nuestro proyecto de cortometraje. Decir que se trata de la asignatura más contundente de la carrera, tanto desde el punto de vista de importancia de temario como por el  interés general por la misma. Antes de seguir leyendo os dejo el corto, que lo disfrutéis:


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La visita de Medrano es una apuesta arriesgada y clásica. Un homenaje al cine negro en toda regla  pero también con una cierta subversión de sus reglas. Contemplamos el encuentro en la noche de un hombre agobiado por la justicia con un terrible sicario que le hará una oferta nada corriente, y su forma de actuar nos va descolocando por momentos.

Rodado en la localidad riojana de Alfaro en octubre de 2011 con los actores navarros Pablo del Mundillo y Boris Díaz Monllor como protagonistas, el corto nos traslada a la España de los 50. También contamos con  figurantes alfareños para el escena del bar, que fue transformado para la ocasión.

Si bien el guión está firmado por Álvaro Hernández Blanco y un servidor, la original  idea brillante, así como la casi totalidad del texto y la fuerza rítmica, pertenecen a Álvaro, que también dirigió y compuso la banda sonora… Todo un personaje admirable que también toca el ukelele a nivel cuasi-profesional. Mi humilde aportación al guión fue el toque histórico concreto, que ayudo a la adaptación de los elementos visuales.

La interpretación de los actores, pero en especial la de Pablo del Mundillo, es magistral. Pablo del Mundillo, actor profesional de teatro crea una figura pavorosa que no deja indiferente a nadie, ya que no sabes en ningún momento lo que hará en pantalla. Sus facciones afiladas, embutidas en traje, causan sino pavor y sorpresa a partes iguales.

Pero lo que acaba de otorgar credibilidad a la situación de la visita de Medrano es la inmersión total en la época. La familia de nuestra jefa de sonido, Mirian Peña facilitó muchas localizaciones a la producción;hasta pudimos rodar el palacio Saénz de Heredia, actualmente un colegio de religiosas. Como director artístico lo que más ilusión me hizo fue poder convertir un Ford de 1950  (propiedad de la familia de Mirian Peña) en el Cadillac de un sicario…

La fotografía es otro de los fuertes del corto, ya que tuvimos que rodar en blanco y negro, siguiendo cánones del clásico director de fotografía John Alton y de películas como El halcón maltés o El tercer hombre, está firmada por María de Ascanio, brillante canaria que en sus ratos libres graba videoclips de grupos de música.

Sin dejar de citar el pulcro montaje, responsabilidad de Antonio López Van Assche, que captura las intenciones de la cámara y la precisión de la ambientación como nadie, así como al cuadro de producción, con Esperanza Rodés y Nazareth Bernhardt,  la eficiente discreción de nuestra script, Almudena Pitarque ,la producción asociada de la joven promesa de la publicidad Nacho Carretero y la santa paciencia de Santi Echeverría, nuestro profesor asesor.

Este ha sido nuestro trabajo, de momento ha dado sus frutos, ya que ganamos 5 premios Kino y el Premio del Público el pasado viernes en la XVII edición de los Premios Kino, que entrega anualmente el Departamento de Cultura y Comunicación Audiovisual de la Facultad de Comunicación de Universidad de Navarra.Todo un honor para el equipo, que termina la carrera en mayo y ve en este corto un incentivo a sus ilusiones futuras…

Como pronto y a raíz del éxito obtenido, La visita de Medrano será presentado a diversos festivales de cortometrajes. Espero que os haya gustado el corto, y de ser así, difundidlo por el mundo… o puede que os visite Medrano.

Si, es la primera vez que no critico un estreno de cine, pero este corto merece la pena ser mencionado y visto. No nos olvidamos de la próxima gala de los Goya y los Oscars.


 

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