No hay paridad en el cine

New York Film Academy

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Ante las (¿desafortunadas?, ¿crueles?, ¿ignorantes?) palabras del ministro Montoro sobre el cine español , solo me queda publicar este gran vídeo realizado por la Spanish Film Commission para promocionar nuestro país como el gran lugar de rodajes que fue, es, y deberá seguir siendo. No todo van a ser pesimismo. Disfrutad de esta maravilla. Ya hablaremos de desgravaciones y mentiras que nos cuentan sobre el cine. Pero ahora toca viajar por escenarios y paisajes, platós y posibilidades de futuro. Una gozada de producción.

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Publicado el por Álvar Carretero | Comentarios desactivados en Rodar en España es siempre una gran idea…

No he visto Gravity todavía pero…no os perdáis Prisioneros

Efectivamente, aun no he visto a Sandra Bullock perderse en el espacio infinito y girar embutida en un traje de la NASA, pero el boca-oreja es tan intenso, así como la campaña de marketing y las críticas positivas que no pasará de esta semana sin que me deje caer por algún cine angelino a verla.

Yo quería hablar de una película sorprendente, de la que no tenía información previa, (ni siquiera había visto el trailer) y me impacto sobremanera. Es delicioso acudir de vez en cuando al cine sin tener ningún dato previo y que la película realmente valga la pena. Me refiero a Prisioners, de Denis Villenueve. 

PrisionerosEn líneas generales podríamos definir el filme como un thriller de desapariciones, pero sería quedarnos cortos. Unas niñas desaparecidas en la zona rural del estado de Pennsylvania. Un padre dispuesto a todo por encontrarlas (Hugh Jackman) y un policía misterioso e implacable que no cejará en la búsqueda (Jake Gyllenhaal).

La película es una cuenta atrás en un ambiente hostil lleno  de tensión perpetua, donde nada está claro y es difícil prever el siguiente movimiento. La atmósfera invernal del pueblo solo aprisiona las esperanzas de encontrar los culpables y va minando la moral de las familias y de las fuerzas de seguridad. La situación de muerte inminente, la existencia de un único sospecho (Paul Dano) hará que nuestros protagonistas tomen decisiones muy drásticas. Nada queda claro. ¿Podríamos definirlo como cine negro? El thriller va más allá, pero si que apreciamos rasgos característicos, sobre todo en sus personajes.

Y esa atmósfera, siempre presente pero que no recarga el ambiente, lo define, lo envuelve, pero te deja centrarte en la trama (no como las parrafadas irlando-americanas de Ben Affleck en The Town o Gone Baby Gone, que sin dejar de ser buenas películas, el ambiente está totalmente viciado por elementos decorativos superfluos)

prisoners

Lo mejor es no sabemos nada durante gran parte de la película y cuando las piezas encajan en la cabeza del espectador, se produce una sensación plena. No deja ningún cabo suelto, ninguno. Nada es lo que parece en ningún momento y la resolución es simplemente, increíble.

Probablmente, y hablo para mi, sea la mejor película del género desde Mystic River. Una absoluta obra maestra con una impecable trama, banda sonora, realización, guion. Las actuaciones, en especial de Jackman y Gyllenhall, huelen a nominación de los oscar, así como toda la película.

Prisoners

Ha sido una de las grandes sorpresas en la taquilla norteamericana, los buenos datos de recaudación así lo atestiguan. Igual el poco eco que tuvo a nivel de marketing se lo debemos a que su distribuidora, Warner Bros, se ha centrado en Gravity, pero eso ya es otra crítica. No os perdáis Prisioneros.   En España se estrena el próximo 11 de octubre.

NOTA: 5/5

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Sesión doble en Santa Monica: The Family y Closed Circuit

Primera semana en Los Angeles y primera entrada desde California. Mudanza completada a la Meca del cine. Si bien desde la ventana no veo las letras de Hollywood, a pocos pasos de aquí, en Hauser Boulevard, se pueden ver a lo lejos, casi inalcanzables. 

Como muchos ya sabéis, la gran mayoría de las películas en cartelera americana no se estrenarán en España hasta pasados unos meses o puede que no lleguen nunca a las salas españolas. Sin embargo, trataré de hablar de películas que si se distribuirán en España, o si no ya sabéis que en internet está todo, legalmente hablando. 

Se acerca un otoño calentito en cuanto a estrenos; películas como Old Boy de Spike Lee, Rush de Ron Howard, Don Jon de Joseph Gordon-Levitt, y espero poder verlas todas. Los precios del cine aquí oscilan, pero la media está en unos 10 dólares (unos 7,4 euros) Mi primer cine en los Estados Unidos fue el AMC de Santa Monica Promenade, y esto fue lo que vi.

Envuelta en tópicos de gansters y de franceses, con un toque cómico excesivamente macabro, se alza The Family, lo nuevo de Luc Besson y con producción ejecutiva de Martin Scorsese. La película narra las aventuras de Fred Manzoni (Robert DeNiro) y su familia, mafiosos italoamericanos en el programa de protección de testigos viviendo en… la Normandía francesa.

El choque cultural es previsible pero salvaje, y pasa del rechazo chauvinista a la aceptación de las reglas sociales europeas, más o menos. Cada miembro de la familia lucha su particular batalla de integración en la pequeña ciudad francesa donde son enviados por Tommy Lee Jones, jefe del programa . Mención especial a la interpretación de Michelle Pfeiffer como Maggie, la esposa.  La hija mayor, interpretada por Dianna Agron, también es inolvidable. Creedme.

The Family

Sin embargo, el guion y las situaciones son demasiado surrealistas para que nos tomemos en serio la trama, a medio camino entre el Robert de Niro de Una terapia peligrosa y el cine de Dany Boon (Bienvenidos al norte). Momentos memorables pero que al fin y al cabo, son lugares comunes del cine de gansters de Scorsese (desde Uno de los nuestros, Casino…) Lo más increíble es que se haya inspirado en una novela real titulada Badfellas, de Tonino Benacquista, que es posible que fuera “real”.

En definitiva, una combinación de situaciones que funciona para pasar un rato entretenido, pero no deja de ser un pastiche de hilarantes tópicos. Siempre me ha gustado Luc Besson y sus películas, pero esta si bien cumple las cotas de salvajismo y violencia acostumbradas, falla en su conjunto. En España se estrena el 8 de noviembre de 2013 con el título Malavita

NOTA: 2,5/5

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Otra película que pude ver, (esa misma tarde, también en Santa Mónica, pero eso es otra historia) fue la británica Closed Circuit. A caballo entre drama judicial, película de conspiraciones políticas de alto nivel y mucho suspense. Una bomba estalla en el centro de Londres provocando más de un centenar de muertes y todo apunta a un ataque terrorista de islamistas radicales. Hay un culpable acusado y se va instruir el caso. Sin embargo, pronto empieza la investigación de la defensa, impecables Eric Bana y Rebeca Hall en el papel de abogados con rectos principios morales, que descubren que todo va mucho más allá y se trata de una enorme liada gubernamental donde esta pringado el servicio secreto inglés. Por si esto fuera poco, fueron antiguos amantes.

Closed Circuit

Si bien la han calificado de mediocre y vacua, la atmósfera de un Londres con un millón de ojos agobia cada minuto que avanza el metraje, esto unido al placer de ver Jim Broadbent como Fiscal General de Reino Unido, cuya moralidad ambigua harán las delicias de los amantes del cine británico. Closed Circuit se estrenó en España el pasado 28 de agosto

NOTA: 3/5

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El bueno, el feo y el malo de Sergio Leone, la TOP 1 del cine europeo

CINEUROPE

 

Si queréis más información sobre el premio o el cine europeo http://www.luxprize.eu

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La Mula a coces

Entrada publicada originalmente en la web LGE Cine, donde estoy colaborando. En Raccord republicaré las entradas de estreno al cabo de una semana o dos. Os recomiendo visitarla ya que se cubren todos los estrenos de manera más puntual y previa.

Tragicomedia con trasfondo bélico, basada en la novela homónima de Juan Eslava Galán. La película nos cuenta la historia del cabo Juan Castro (Mario Casas), que a tres meses de acabar la Guerra Civil se encuentra una mula blanca en el frente ¿y qué hace? Intentar salvarla para cuando acabe el “tomate”. También es una aval para intentar casarse con Conchi (María Valverde) y hacer las cosas “como Dios manda”: una familia, tener zagales y conservar la acémila para tiempos mejores. Todo un self-made-manibérico en un tiempo de muerte. Picardía, nada nuevo en este país.

Si bien es cierto que todo el trasfondo no es de sobra conocido (¡ey! otra película de la guerra Civil española, ¡que novedad!) y los ingredientes de cocción tocan otras películas míticas como “La vaquilla“, (Luís García Berlanga, 1985) por su elemento tragicómico (donde aparecía nuestro recientemente fallecido Alfredo Landa) no es una película berlanguiana o coral, y tampoco tiene un guión de Azcona. De hecho es bastante blanco, dulzón, tierno incluso. ¿Entonces que? Destaca, por encima del reparto, mula incluida, el cabo Castro. Es decir, Mario Casas.

Porque es cierto que esta película fue rodada en 2009, antes que productos de taquilla adolescente como “3MSC” (2010), o “Mentiras y Gordas” (2009), y por supuesto la aclamada y recomendable “Grupo 7” (2012). Por aquel entonces el actor era un imán de adolescentes, algo que sigue siendo, por lo que sorprende y es de agradecer una interpretación tan honesta como humilde mulero andaluz que le ha valido un premio al mejor actor en el Festival de Málaga. Pese a que su acento jienense chirríe a veces.

Es por ello que rompo una lanza en pro del actor y la película. En otro orden de cosas, se podría hacer una película solo con los avatares de producción de esta comedia acemilera. Mucha gente pensaba –yo el primero- que esta película no iba a llegar a las pantallas, por la cantidad de problemas de censura que ha tenido, ya que entre otras cosas, legalmente, no tiene director, aunque el inglés Michael Radford (“El cartero y Pablo Neruda“, 1994), que abandonó el rodaje en la última semana, rodó el 90% de la cinta.

Pero ¿que es lo que pasó? La productora de la película acusa al anterior ejecutivo de censura, ya que la historia del cabo Castro, encuadrado en las filas del ejército de Franco, no debió convencer al ICAA. La película se precensuró por el Ministerio de Cultura, calificada como “lesiva para el interés público”, algo a mi juicio absurdo ya que la ideología no es un tema capital del argumento o guión, ni Mario Casas es un franquista salvaje que tirotea pueblos al grito de ¡Viva la muerte! Podríamos haber puesto una mula en cualquier trasfondo. La cosa es que es una historia real.

El cabo Castro quiere superar las adversidades y esa mula blanca es, valga la paradoja, su caballo de batalla. Su puente a una vida mejor y la prosperidad. Y, otro detalle, Juan Eslava Galán, el escritor de la novela, no es un autor sospechoso para nada de “franquista”.

Esto hace que ciertas partes del montaje y la música sean un poco caóticas, y hubo que terminar el filme con las copias de trabajo de la productora Gheko Films. Esto hizo que en su estreno en el Festival de Málaga no apareciera el nombre del director en ningún sitio y la cuestión legal aun no se ha dilucidado. En la industria del cine español tendremos caso Mula para rato. Esperemos que siente un precedente positivo. O salga un guion decente, por lo menos. Sin embargo, hay un factor positivo, la prensa y publicidad que este tema ha causado para la película: la polémica siempre vende.

 

En resumen, una brillante interpretación del gallego en una película imperfecta pero entretenida. No dudo que carente del calvario que ha pasado, la película habría mejorado en multitud de aspectos formales. ¡Ah! Y no es sectaria. Ni la mula, ni la historia.

Para el que le interese, la cinta ha sufrido una nueva polémica por la pésima calidad de imagen con que se proyectó la película http://bloguionistas.wordpress.com/2013/05/14/la-mula-y-la-tomadura-de-pelo/

NOTA: 3/5

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Superficial… ¿y qué?

Mucho trabajo y poco tiempo para ver cine. Por no hablar del precio. Desde Django, última crítica, hasta hoy, han pasado casi dos meses.

En medio solo “Un asunto real”, correcta película europea de época. Con una fotografía y dirección artística bien cuidada en extremo y sin mal guión. Con un malo de James Bond (Mads Mikkelsen), haciendo de médico ilustrado que reformó Dinamarca mientras se “entendía” con la reina. Queda contratado. Por cierto, el rey danés estaba como una cabra.

Pero hoy voy a hablar más otro triángulo amoroso más fuerte, basado en una obra inmortal de la literatura (amigos, esto suena a tópico, pero un libro clásico es aquel que por alguna razón de peso, pasa el filtro del tiempo).

Hablo de Anna Karenina. Es curioso lo vapuleada que ha sido la nueva película de Joe Wright, para muchos, el hombre que mejor partido ha sacado a Keira Knightley,  a convertido una obra maestra de la literatura rusa en un anuncio de perfumes de 100 millones de dólares, oloroso, recargado y superficial, muy superficial.

Si pudiéramos extraer la trama de Anna Karenina, (con perdón de Leo Tolstoi) en una frase, me quedo con esa que habla de  “un adulterio consumado en un ambiente aristocrático que conduce a la muerte a la esposa de un alto funcionario ruso”. Pues bien, si partiéramos de esa simple premisa podríamos tener miles de películas. Quedemonos con su ritmo impecable, con su montaje teatral y con su vestuario. Nos encontramos ante un collar de perlas, si, perlas unidas por una cuerda de esparto áspero. Esa cuerda es un guión de Tom Stoppard sin ningún tipo de justicia poética para Tolstoi.

En cuanto la interpretación de actores, Jude Law en el papel de Karenin borda en contraste con el amante, el teniente Vronsky, rubiales y gazmoño “que completa su educación con una mujer casada”. Un triángulo amoroso de primer orden, pero al fallar el guion, convierte las actuaciones en pedante chismorreo. Eso si, destacar los secundarios y la trama paralela, merce la pena

No tuve en ningún momento la sensación de estar ante algo espantoso y destructor como ha sido calificada esta película por muchos críticos. Si bien adolece de fuerza argumental, no me la tomé como una película histórica si es cierto que se vendió así (no podemos olvidar las estupendas adaptaciones que Joe Wright ha llevado a cabo, Expiación, Orgullo y Prejuicio). Su Anna Karenina ha sido una boutade onanista en toda regla, el capricho de un director con lenguaje propio que igual no ha convencido en las Academias, pese al merecido Oscar de vestuario. Yo la disfruté mucho, es cierto.

Eso nos llevaría a plantear mi predisposición/ánimo en ver la película y las condiciones de su visionado . Os explico: primera vez en mi vida en Kinepolis Madrid y planteado como comedia ligera. Estoy seguro que si hubiera tenido reciente la lectura del libro, habría sufrido como Tarantino en una feria del zapato…

No la recomiendo como película histórica, ni siquiera como drama de época, ni como cursilería, ni como filme teatralizado. Más bien es la estética sobre todas las cosas, un desfile de color y ropajes donde el las acciones profundas quedan supeditadas a un movimiento de baile y colorida infidelidad.

Avisados quedáis los amantes del exterior y del decorado, también los de la literatura más buena. Si vais, id sin prejucios.

NOTA: Demasiado estética para decidirme. Espectacular producción, mediocre guion

Dentro de poco, hablaremos de cine…documental. Ya que el 21 de abril estaré en el Festival de Málaga en el estreno mundial de la película ENCIERRO

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Tarantino desencadenado

El principio de cada año suele ser parecido en el mundo cinematográfico. Quinielas de premios, ya sean Goyas o la carrera al Oscar… Juntémoslo con las miles de películas que se nos acumulan y que quedan por ver, esa sensación horrible de no poder abarcar. Los estrenos de series, las campañas de marketing salvajes para que academias y jurados de todo el mundo incluyan sus películas entre lo mejor y, lógicamente, ganar más. Queda mucho en el tintero, pero como siempre, se hace lo que se puede. Vamos allá.

Hoy nos toca Django Unchained, nominada a cinco Oscars y a fecha de hoy, la película más taquillera en la carrera de Tarantino.

Un año antes de la guerra de Secesión, un doctor alemán, el señor King Schultz (Christoph Waltz) cazarrecomensas-dentista, recluta a un esclavo para que le ayude a encontrar a unos forajidos. Ese esclavo es Django (Jaime Foxx).  Tras aprender el oficio  y “civilizarse” un poco en invierno a base de colt, viajarán hasta Candy Land (Mississippi) para encontrar a la esposa de Django, esclava del terrible Calvin (Leonardo Dicaprio) y liberarla. No será nada fácil ni poco sangriento. Ya tenemos premisa del western.

 

Voy a intentar dejar a un lado el – cacareado- cociente intelectual de 160 de Tarantino, su lanzamiento y gloria dentro de la cultura mainstream, sus orígenes de videoclub que todos conocemos, así como sus filias de grabar pies y gente desde un maletero, sus mecheros Zippo, sus bandas sonoras inolvidables y que leches, la violencia, la eterna violencia. Voy a hablaremos de Django, (recordad, la D es muda) y no de su creador, algo que siempre va unido.

Django no defrauda porque es puro Tarantino, es pura confirmación de su estilo y aunque esto suene redundante, es un hecho. Lo que más valoro de este nuevo filme es el fichaje de Leonardo Di Caprio como terrateniente y el afianzamiento en la gran pantalla de Christoph Waltz,  inolvidable coronel Landa en la anterior película del señor Quentin. .

Si en Malditos Bastardos se imagino su 2º Guerra Mundial, retocándola a su antojo en pro de la película y pisoteando la Historia (vale, la narrativa debe adaptarse al guion pero es que se le fue un poco la mano, si la habéis visto, sabéis de que hablo) en Django se vuelve un poco más sutil sin bajar el pistón: crea un explosivo coctel visual, lo adereza con una banda sonora clásica y una fotografía espectacular y tira de reserva personal. Ya tenemos película, el tema, el oeste. Su salvaje oeste.

 

Django parece algo nuevo, pero que nos quiere sonar. Y nos quiere sonar por que está cargado de cientos de referencias a Sergio Leone, a todo el spaghetti western, a John Ford, a Sam Peckinpah, a Kurosawa, a Sergio Corbucci (ya que hay una película del 66 de donde bebe explícitamente y a miles de películas de serie B que poquita gente conoce.

Django es una película construida por escenas redondas, que parecen sketchs de alto voltaje y que milagrosamente crean una película redonda. Esa es su magia… Acusadle de crear estereotipos y carnicerias y os contestarán acerca del estilo y firma, llamadle sangriento y os dirán que es arte.

El guion de Django es lo de menos y no porque sea malo,entendedme, lo importante es cómo se cuenta. El cómo siempre muestra el estilo de un director, el como modera el lenguaje de todos y cada uno de los grandes directores. Es así. Por eso hablamos del estilo Coen, del estilo Peckhinpah, del lenguaje de Almodovar o de Fellini. Eso es de cajón.

Por último, siempre me he preguntado algo ¿por qué las generaciones jóvenes estamos tan enganchadas al cine de Tarantino?, ¿es la violencia, la estética?, ¿su lenguaje, sus tacos, sus teorías, su estilo?  Tarantino suele convencer y mucho.

Os recomiendo Django si sois capaces de ver que va ineludiblemente unido al universo personal de su autor, si conocéis toda su trayectoria anterior y… vaya, me acabo de dar cuenta de que he sido incapaz de hablar de Django. Que llevo hablando de Tarantino toda la entrada. Lo he intentado Lo juro. En fin, disfrutadla.

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 NOTA: 4/5

Se acercan los Premios Goya, el día 17 de febrero. Mi gran favorita es Blancanieves, os dejo la crítica que escribí en su día. También apuesto muy fuerte por Grupo 7 y el genial Antonio de la Torre.

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De Oscars y Miserables

El (bendito) trabajo y el bombardeo de películas pre-Oscars (y Goyas) hacen que a uno se le acumule el trabajo. A falta de ver mañana sin falta Django, me queda en la recámara Zero Dark Thirty, Bestias del sur salvaje (¿oportunidad real o negocio indie?), Lincoln de Spielberg (o “Soy Daniel Day-Lewis y quiero un merecido Oscar”), Amor…  No se puede abarcar todo. Sin embargo, la que vi “como Dios manda” ha sido Los miserables, os dejo la crítica.

 

Cuando Hollywood quiere sabe meter mano a lo grande a todo tipo de género. Llevan haciéndolo desde siempre y con Les Miserables lo han hecho muy bien. No podemos confundirnos, el género musical es complejo, pero si sabes lo que quieres plasmar y tu película es un reflejo total de uno de los mejores musicales de la historia, es difícil que te salga una mala producción. A esto súmale un reparto de lujo que además, sabe cantar. Antes de seguir leyendo, tened en cuenta mi pasión por este género y la sorpresa inesperada que me encontré al acudir al cine.

La historia de Jean Valjean, el miserable cuya dignidad se eleva en una Francia convulsa donde parecía que la revolución había muerto. La historia de una huérfana, Cosette y de un intento de revolución liderado por un joven demasiado burgués para sangrar, Marius. Una historia con cuajo y trascendencia basados en las canciones del musical, un vestuario español (además, sacado de Cornejo), y un arranque sobrecogedor.

He escuchado todo tipo de críticas a Tom Hooper, el director, por su uso de la cámara en esta película… pero eso es , a mi juicio, lo de menos. Lo brutal de esta película es el increíble despliegue vocal de los protagonistas y del casting al que fueron sometidos, la capacidad de transmitir de la música más allá de lo cabaretero del guion, que adolece de ser plano. Pero estamos viendo un musical, reglas distintas y funciona. No hay que olvidar que nos basamos en un clásico, y los clásicos funcionan por algo.

Imaginad a Lobezno, Catwoman (la de Batman) y a Gladiator cantando en una novela de Victor Hugo, a la parejita ideal de Amanda Seyfried y Eddie Redmayne sumadle a Helena Bonham Carter y a Sacha Baron Cohem como guinda de taberneros codiciosos y malvados. Metedles en un carísimo decorado y ponedles a cantar canciones que funcionan y ya habíamos oído alguna vez. Dejaros transportar.

La única pega que he podido ver es la dificultad de hilar bien ciertas partes de la película, lo más complejo de adaptar musicales con tanta magnitud seguramente sea esto. Aun así, Les Miserables deja a Chicago, Moulin Rouge, Mamma Mia, Hairspray y todos los musicales de los últimos años a la altura de obras menores de patio escolar. Les Miserables es la mejor adaptación que recuerdo a la gran pantalla de un género tan arriesgado como el musical, un punto de inflexión a la hora de futuras adaptaciones. ¡Ah! Y también me he reconciliado con Anne Hathaway como actríz…

Si os gusta el musical, no podéis perdérosla. Bajo ningún concepto. Si se os hace larga, quizá el musical no sea vuestro género.

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NOTA: 4,5/5

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El hobbit: un viaje inesperado o como alargar hasta lo impresentable

Mi querido Frodo, no se si te he contado todo sobre mis aventuras pero tengo tres películas para hacerlo. No habrá un Señor oscuro y me perderé en los detalles hasta que te cuente la excursión con enanos.

Bilbo Bolsón

Ni 48 fotogramas por segundo pudieron quitarme la sensación de mamá, ya la he visto. Quitando el obvio troceo de un libro en tres películas multimillonarias y que el perfecto pack técnico música-diseño de producción-efectos especiales salvajes-reparto óptimo no acabó de cuajar en una película que se me hizo larga y pesada, una sensación de déjà vu.

 

No hay mal material, no es una mala historia y después de la gran trilogía del El Señor de los Anillos, parecía que solo Peter Jackson podía ponerse de nuevo en marcha a la hora de adaptar a Tolkien. Jackson trató de buscar muchos puntos en común con El señor de los Anillos,  como personajes y situaciones que ya conocíamos, lógicas por la historia previa que narra El hobbit, pero que solo enfangan la situación alargándola hasta el sonrojo.

Y así nos plantamos en un preproducción larga donde se empezaban a escuchar rumores de enchiclar la cinta (vease alargar por que si las superproducciones con el fin de obtener unos ingresos de 2000 millones de dólares más para el estudio y de paso las franquicias.. Esta moda comenzó con el fin de la saga de Harry Potter, se trasladó a Crepúsculo…) Marketing avanzado lo llaman.

La noticia de que iban a trocear el libro en tres películas confirmó los temores de muchos y quizá los deseos salvajes de los más acérrimos defensores de la saga del Anillo. Pero claro, hay que amortizar los casi 550 millones de dólares de inversión. 

Pero El Hobbit no es El Señor de los Anillos, y un dragón con nombre judío no es Sauron, ni la cueva donde vive el monstruo es el monte del Destino. No se puede trasladar la maquinaria de producción a una película con las características narrativas de Willow.

No es un mal guión, es perderse en el detalle, en alargar la película en detalles que mejor estarían en los extras del DVD (o BluRay), canciones enanas, escenas infumables con genealogías, empacho de enanos diálogos rimbombantes y magos salva-erizos…  Es una merienda con enanos que va durarnos tres años.

Ni una batalla seria más allá de del flash-back cebolleta, recuerdos que, por cierto, son lo mejor, por otra parte.  Quedan otras dos películas y o el guion se aleja del libro o creo que seguiremos hacia el viaje a ninguna parte.   Humildemente creo que una buena película de 3 horas hubiera hecho más memorable a El Hobbit que una saga artificial. No me quiero ni imaginar las versiones extendidas de esta películas.

Desde el pasado 14 de diciembre en taquilla y recién superados los 700 millones de dólares de recaudación mundial, comercialmente está siendo una mina y las principales páginas de crítica, como IMDB o Rotten Tomatoes le otorgan valoraciones muy altas pero el boca oreja nos traslada a un “me recuerda a…”

En resumen: no es una mala película, solo se me hizo eterna y a nadie se le escapa que lo que importa es la pasta. Todo por querer convertir en saga un cuento con UN dragón.

NOTA: 2,5/5

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