abr 152014
 

EL GRAN HOTEL BUDAPEST, de Wes Anderson: WES SE HACE ESPECTÁCULO

Calificación: 6,5/10.

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Dentro de tratarse de Wes Anderson (un género en sí mismo, y perdón por el topicazo), El gran hotel Budapest no puede ser más distinta de su anterior película también de época, Moonrise Kingdom. Si en aquella el cineasta nos regalaba una emotividad sincera y sin fisuras, su nueva obra se antoja lúdica y –dentro de ser Wes Anderson, insisto- superficial. Como tantos otros directores en el pasado, Anderson se hace divertimento y espectáculo puro, sobre todo en lo visual. No sé si muy a su pesar, se acaba pareciendo más al Jiri Menzel de Yo serví al rey de Inglaterra (muy estimable e infravalorado filme cómico) que al Ophüls de Lola Montes (obra maestra por descontado).

Anderson da una lección de Historia apócrifa reinventando el siglo XX, y recordaría también a Hergé si no fuese por tanto humor negro. Con una estética deslumbrante marca de la casa, monta un flash-back que parte de los años 60 y se remonta a los 30. Hay en su “historia” cuadros valiosos, matones, asesinatos, persecuciones, una pizca de romance, humor negro como nunca se había visto en el realizador, el consabido desfile de rostros habituales y una fuga carcelaria en la que se aúnan con descaro el Jacques Becker de La evasión y el slapstick puro y duro.

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Trepidación, derroche de inventiva en cada plano, abuso de los zooms y los travellings laterales y una sofisticada trama llena de recovecos. El gran hotel Budapest no da respiro ni tiempo para reflexionar y tiene más orfebrería que sentimiento. Cansa la mirada si uno se mete de verdad en ella, y lo hace por desgracia antes del desenlace…

Con todo, Anderson no va a captar devotos nuevos. Sus hinchas le reirán las gracias y sus detractores probablemente se irritarán más que nunca. El que escribe estas líneas siempre se ha considerado andersoniano de pro, y puedo decir que esperaba más, u otra cosa. El gran hotel Budapest no es una película revisable, puesto que lo da todo y se agota en el primer visionado. No llega a resultar cargante, pero hace añorar Los Tenenbaums y Life Aquatic, sobre todo porque en esta no se oye ni una nota de Rock, y con la banda sonora Anderson no ha acertado tanto como con el diseño de producción. Una de las más divertidas y prescindibles películas de su director. 

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* EL GRAN HOTEL BUDAPEST (2014). Director: Wes AndersonINTÉRPRETES: Ralph Fiennes, Tony Revolori, Saoirse Ronan, Bill Murray, Jude Law, Willem Dafoe,Tilda Swinton, Harvey Keitel, Edward Norton, Jeff Goldblum, Adrien Brody, F. Murray Abraham, Mathieu Amalric, Owen Wilson, Jason Schwartzman. NACIONALIDAD: EE. UU. La película se estrena el viernes 21 de marzo. Sin enlaces de descarga por el momento.

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abr 152014
 

DALLAS BUYERS CLUB, de Jean-Marc Vallée: VUELVE EL SIDA A LA ALFOMBRA ROJA

Calificación: 6/10.

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Antes de nada, sé que prometí no hablar de las películas de los Óscar. Sirva esta entrada como la excepción que confirma la regla, ya que, como dije también, ha sido muy divertido comprobar cómo académicos, críticos y cretinos en general han tenido que rectificar su opinión sobre el talento actoral de Matthew McConaughey. Por ejemplo, al crítico de la Guía del Ocio le leí a propósito de Los fantasmas de mis ex-novias: “Detestamos aún más si cabe al cachas Matthew McCounaghey, un actor que no es tal y cuyo palmito no anda precisamente sobrado de carisma”. Lean, lean.

Pero aparte de para echar por tierra estúpidos prejuicios, lo último del director de C.R.A.Z.Y. sirve para descubrir a los más jóvenes el impacto que tuvo, a mediados de los años 80, la llegada a Occidente de la enfermedad del SIDA, hoy en día con poca relevancia, hablando de modo global, en el Primer Mundo, pero que entonces se consideró algo así como un castigo divino universal, pues pronto rebasó los círculos de heroinómanos y homosexuales para atacar a lo que se suele conocer como gente corriente. La inconmensurable Ana Curra lo resumió con especial gracejo en una simpar versión de Edith Piaf: “Con el SIDA, se acabó la Movida”.

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Dallas Buyers Club se centra en la historia verídica de Ron Woodroof, un integrante de la white trash norteamericana, cowboy de rodeo, electricista, cocainómano y putero, que, al contraer la enfermedad y concederle los médicos un mes de vida, se dedica a consumir y después a difundir los fármacos que atenúan los síntomas en vez de los que supuestamente combaten los anticuerpos (el medicamento conocido como AZN), todo por mediación de un doctor proscrito al que interpreta un soberbio Griffin Dunne.

Aunque ni él ni Jennifer Garner, a la que McConaughey ya le dio réplica en la mentada Los fantasmas de mis ex-novias, son capaces de eclipsar ni un ápice a la pareja protagonista: McConaughey, claro, y Jared Leto, travesti ultra-fan de Marc Bolan, personaje torturado y frágil cuya incompatibilidad de carácter con Woodroof hace irrepetible su relación con este, primero como socios y luego como mutuos apoyos para la supervivencia.

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La cinta de Vallée posee exactamente todas las virtudes y los defectos de un filme rodado ad hoc para la alfombra roja del teatro Dolby, con el dudoso mérito de exponer un tema que no se paseaba por dicha alfombra desde Philapdelphia, salvo error u omisión. Grandes interpretaciones, sentimentalismo para público de multisalas, una narrativa como el cutis de Jennifer Garner (claro, preciso y sin el más mínimo afeite que deslumbre) y un aparatoso maniqueísmo en pos de los desfavorecidos. Todo visto muchas veces, salvo a Leto y McConaughey en esta tesitura. Va por ellos, y sobre todo por este último, el cual algunos nunca hemos dudado que se trata de un actorazo, no ya desde la soberbia El inocente o la indeleble El chico del periódico, sino, por qué no, desde la muy simpática Cómo perder a un chico en 10 días

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* DALLAS BUYERS CLUB (2013). Director: Jean-Marc ValléeINTÉRPRETES: Matthew McConaughey, Jennifer Garner, Jared Leto, Steve Zahn, Dallas Roberts,Denis O’Hare, Griffin Dunne, Kevin Rankin, Lawrence Turner, Jonathan Vane. NACIONALIDAD: EE. UU. La película se estrenó el pasado viernes 14 de marzo, pero puedes descargarla aquí y los subtítulos aquí.

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mar 162014
 

LAS AVENTURAS DE PEABODY Y SHERMAN, de Ron Minkoff: LECCIÓN DE HISTORIA Y CIENCIA PARA NIÑOS GRANDES

Calificación: 7,5/10.

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Hace cierto tiempo, una amiga mía que suele ir al cine con su hija a ver películas de animación infantiles, se quejaba de que estas cada vez estuviesen más pensadas para los adultos, con guiños históricos y cinéfilos que los niños no captan. Creo recordar que todo vino a raíz de Toy Story 3, de la que alguna otra madre me dio exactamente la misma opinión.

Pues con Las aventuras de Peabody y Sherman, desde luego, se van a llevar un nuevo chasco. Si el director de El rey león, hoy felizmente adaptado a los tiempos del 3D, se atrevía a homenajear en aquella nada más y nada menos que a El triunfo de la voluntad, de la gran Leni Rifenstahl, hoy recrea sin embozo planos de Intolerancia, de Griffith, para reproducir el antiguo Egipto en vez de Babilonia en uno de los viajes en el tiempo de los protagonistas, padre e hijo, o perro e hijo mejor dicho.

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Peabody y Sherman también se pasean por la guerra de Troya, la Italia del Renacimiento o la corte de María Antonieta. Hay estereotipos culturales al borde de la xenofobia, una visión cruel del enamoramiento hombre-mujer, algún chiste de ligero mal gusto y hasta una broma acerca del escándalo Clinton-Monica Lewinsky. Para colmo, las paradojas espacio-temporales de los viajes en el tiempo no se explicaban con tanta minuciosidad –aunque con más espectacularidad- desde Regreso al futuro II.

Así que no tengo muy claro cuál es la edad recomendada para este producto y supongo que muchos padres tampoco, pero cualquier niño grande va a disfrutar con ella de lo lindo. No en vano, Las aventuras de Peobody y Sherman consigue encaramarse al podio de mejores largometrajes de animación 3D hechos jamás, por complejo -tanto técnica como argumentalmente-, divertido, trepidante, espectacular, diferente y también por lo que supera el acartonamiento sabihondo de la serie en que se basa. Una de las más sugestivas lecciones de Historia y Ciencia que se han dado jamás sobre una pantalla, y otro rotundo triunfo de Dreamworks Animation, que parece que conocerá una nueva edad de oro unida a 20th Century Fox (que nadie olvide Los Croods). Así que cualquier cinéfilo desprejuiciado puede usar a sus hijos o sobrinos como pretexto para acudir a verla: es de lo mejorcito, o lo mejorcito directamente, de la cartelera actual. 

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* LAS AVENTURAS DE PEABODY Y SHERMAN (2014). Director: Rob MinkoffINTÉRPRETES DE LAS VOCES: Ty Burrell, Mel Brooks, Max Charles, Ariel Winter, Allison Janney, Leslie Mann, Lake Bell, Stanley Tucci, Karan Brar. NACIONALIDAD: EE. UU. La película se estrenó el pasado viernes 7 de marzo, pero puedes descargarla aquí. NOTA: solo disponible doblada al español latino. 

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mar 162014
 

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El próximo viernes 7 de marzo se cumplen quince años desde la muerte del realizador Stanley Kubrick. A todo el que haya visto aunque sea una de sus películas, la sola mención de su indeleble apellido le evoca una serie de emociones contradictorias, agridulces y hasta procelosas (curioso: él que siempre fue acusado de frío y cerebral). Es lo que tiene ponerse delante de la verdadera Grandeza, a menudo confundida con desmesura y megalomanía. Lo mismo ocurre con Welles, Griffith, quizá Lean y paramos de contar.

Kubrick, el pesimista y misántropo incurable, el ajedrecista que siempre nos ganó la partida a sus espectadores, y el cabezota que se llevó a la tumba el secreto del monolito de 2001. Hasta los que le detestan coinciden con los que le adoramos en que no hubo otro como él ni lo habrá.

La filmografía del genio es pura Historia Sagrada, y repasarla, redundar en el tópico, pero en este aniversario se me permitirá, más si menciono y enlazo sus primeras obras, desconocidas para la mayoría.

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Kubrick comienza a ensayar su arte cinematográfico con tres documentales de relativo interés: Day of the fight (1951), Flying Padre (1951) y The Seafarers (1953). De estos tres, el más digno de mención es el primero, puesto que supone un intento de suspense y contiene algunos encuadres superlativos. Algo así como un ensayo general, puesto que también se desarrolla en el mundo pugilístico, para El beso del asesino. Los otros dos, algo enfáticos y muy convencionales; de hecho, The Seafarers fue producido por el Sindicato Internacional de Marinos y estuvo perdido durante 40 años.

Fear and Desire (1953) supone el debut del neoyorquino en la ficción, un mediometraje bélico casi abstracto con un gran estudio psicológico de los personajes y que denota lo bien que su hacedor se tenía aprendido el montaje de la escuela soviética.

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El primer largometraje del cineasta es el ya mencionado El beso del asesino (1955), a menudo calificado como bisoño y menor, cuando hay que verlo como una apasionante serie B con los chispazos de talento de alguien destinado a empresas más grandes. Lo sigo prefiriendo a otros filmes del director. Atraco perfecto (1956) fue en su momento un fracaso de crítica y de público, pero todos sabemos que ambos se equivocan casi siempre. Incluso Godard menospreció la cinta desde su poltrona del Cahiers. Para el que suscribe, The killing, por su esmerado y minucioso fatalismo, hasta por su misoginia y desde luego por su exactitud narrativa, es la película más perfecta que se ha hecho sobre atracos imperfectos.

No obstante, la aclamación unánime llegó con Senderos de gloria (1957) y no es para menos: tan implacable como imperecedera, todos deberíamos oír, más en estos tiempos de nacionalismos y separatismos cerriles, aquello de que “el patriotismo es el último refugio de los cobardes”, y seguro que el final no deja un ojo seco de los que tachan a Kubrick de fabulador nada emotivo.

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Tras verse apartado del proyecto de El rostro impenetrable, el director sustituye a Anthony Mann en el rodaje de Espartaco (1960), a la que deja bastante de su impronta, aunque en algún momento tengamos la impresión de que el filme se le va de las manos, como le sucedió a Mankiewicz con Cleopatra. A partir de este momento, comienza la Edad de Oro en el cine del maestro: la prodigiosa Lolita (1962) posee mucho menos romanticismo y mucho más sarcasmo que su modelo literario, aparte de la escena de las uñas de los pies que fue sacada directamente de Perversidad. Aún mejor resulta Teléfono rojo: ¿volamos hacia Moscú? (1964), sátira de la Guerra Fría y la escalada armamentística de las dos grandes potencias en la era nuclear que se encuentra un paso más allá del humor negro. También se celebra este año su aniversario: 50 años y aún no ha sido superada, como tampoco la triple interpretación de Peter Sellers. Por desgracia, la única incursión de Kubrick en la comedia.

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2001 (1968), la más mastodóntica y célebre de las obras de su autor, ha provocado océanos de tinta y resultaría baladí añadir nada, salvo quizá que no ha envejecido demasiado bien: en este aburrido y mísero nuevo milenio, no hay ordenadores inteligentes, ni carrera espacial, y las drogas psicotrópicas que inspiraron su último tramo, tan en boga en aquellos tiempos, hoy resultan perseguidas y tabúes.

La naranja mecánica (1971), al contrario, resultó adivinatoria, aunque su fastuosa imaginería retrofuturista pertenezca tanto a su tiempo. Que nadie olvide, sin embargo, que se trataba de la primera vez en la Historia del Cine en que la explicitud de los contenidos y el barroquismo estético se daban la mano tan fuertemente con los interrogantes sin respuesta acerca de la naturaleza humana y la pugna entre civilización y barbarie.

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Todos los kubrickianos tienen sus filmes favoritos y otros que no los son tanto, o que no lo son en absoluto. A mí me ocurre con la gélida, academicista e interminable Barry Lyndon (1975) y con El resplandor (1980), y es que nadie menos apropiado que el maestro para dirigir una cinta de este género. Coincido con Stephen King, autor del best-seller en que se basa el filme, que este se puede comparar con un automóvil de bonito chasis pero sin motor. Puede que por decir lo siguiente me lleve más de una colleja virtual, pero la historia de Jack Torrance y su familia debió haberla puesto en imágenes John Carpenter, o tal vez Wes Craven.

La chaqueta metálica (1987) fue mucho peor acogida, sobre todo porque coincidió con un sinfín de películas sobre el mismo tema como Platoon, La colina de la hamburguesa o Corazones de hierro, casi todas más célebres y mejor valoradas, pero ninguna superior. Aparte de su visión de la instrucción militar, ¿quién sino Kubrick puede hacernos creer que una francotiradora vietnamita puede diezmar a todo un pelotón del ejército estadounidense? Nadie supo ver aquí la genialidad del cineasta.

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Y, por último, Eyes wide shout (1999), un absorbente largometraje relleno de huecos de puro Cine: los largos y elegantes travellings, las elipsis, la perfeccionista dirección de actores… En su última baza, Kubrick volvió a jugar al desconcierto, pero también a la seducción. Con todo, más que un testamento cinematográfico, supone un final dolorosamente abrupto.

En fin, demasiados años para tan pocas películas. Por el camino, muchos proyectos frustrados, pero también muchas de las imágenes del celuloide de nuestras vidas: las gafas en forma de corazón de Sue Lyon; el saludo nazi del Dr. Strangelove; el Moloko Vellocet; el ojo bermellón de Hal 9000; las máscaras de payaso en el atraco a un hipódromo; un nudo en la garganta. Kubrick sigue tan en boga y es tan parte de nosotros que casi no nos podemos creer que se haya ido hace tres lustros, pero me temo que así es.

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mar 162014
 

MISS SINCLAIR, de Craig Zisk: CUENTO MORAL DE DOMINGO POR LA TARDE

Calificación: 6,5/10. 

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De unos años a esta parte, y más como está ahora el tema de la asistencia a las salas de cine, llegan algunos estrenos muy interesantes que pasan directamente al DVD. Este año ha sucedido con esta pequeña gran comedia cuyo reparto capitanean nada más y nada menos que Julianne Moore, Nathan Lane, Greg Kinnear y Lily Collins.

Miss Sinclair está narrada a modo de cuento con su voz en off y todo; de hecho, se trata de un cuento moral (¡no a la manera de los de Rohmer!), y habla como quien no quiere la cosa de la inevitabilidad de los errores, las segundas oportunidades, la relación padre-hijo, la falacia de las apariencias o las leyes de la atracción, y todo ello con el cómodo envoltorio de cine para el domingo en la sobremesa, que a veces pienso, en vista de superproducciones vacuas y excesos autorales, que es el cine más difícil de hacer.

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No hay estridencias en el planteamiento, personajes que disuenen o que estén mal trazados ni un desenlace que decepcione. No en vano, está detrás el guionista habitual de Rian Johnson (Looper): Dan Chariton. En la dirección, debuta en el largo el televisivo Craig Zisk (Weeds, Nip/Tuck, Embrujadas), al que se le puede atribuir, como poco, una gran dirección de actores. E indicar que todos los mentados en el primer párrafo están soberbios resulta una obviedad.

Como la obra de teatro que se representa al final y que hace de MacGuffin de la trama, Miss Sinclair supone un triunfo modesto, que a veces son los mejores triunfos, máxime si hablamos de estrenos en esta época del año. Porque es posible que la cabecera del reparto junte Óscars, Emmys y Tonys, pero no hay mejor alternativa al pedante y grandilocuente cine de los Óscar que Miss Sinclair… entre otras.

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* MISS SINCLAIR (2013). Director: Craig ZiskINTÉRPRETES: Julianne Moore, Greg Kinnear, Nathan Lane, Michael Angarano, Lily Collins, Nikki Blonsky. NACIONALIDAD: EE. UU. El DVD salió a la venta el 12 de febrero, pero puedes descargar la película aquí. 

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feb 282014
 

TÚ ERES EL SIGUIENTE, de Adam Wingard: LO SIGUIENTE ES EL MUMBLEGORE

Calificación: 7/10. 

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El año pasado nos llegó bastante cine de terror a las carteleras y en DVD, aunque, por otra parte, haya mucho que no se estrena salvo en ciclos, festivales y salas especializadas. Pues bien, si hubiera que poner tres únicas películas en el podio, sin duda serían estas: Posesión infernal, por lo absolutamente cuidado que está este remake en todo su proceso de creación y su clímax salvaje e inolvidable; Insidious: Capítulo 2, por la electrizante y juguetona maestría que Wan aportó a la secuela; y Tú eres el siguiente, la más barata e impactante de las tres, aparte de erigirse en la película de terror revelación del año.

Porque de las otras dos más o menos los aficionados sabíamos qué esperar, pero el realizador de serie B Adam Wingard, con tres largos a las espaldas y alguno más compartido, dio en el blanco –nunca mejor dicho- con esta mezcla de crónica familiar burguesa, thriller con varios giros y uno de los slasher más violentos y sin concesiones que se habían visto jamás en una pantalla comercial.

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A Wingard, aparte de haberle sido reconocido el mérito en el Fantastic Fest de 2011 (¿por qué una película así se estrena con dos años de retraso?), se le supone el creador de un nuevo subgénero: el mumblegore. El nombrecito fusiona a su vez otros dos subgéneros: mumblecore (comedia urbana juvenil y hecha con cuatro dólares tipo, por citar dos no estrenadas aún, She wants me o Drinking buddies) y el gore, del que no hace falta decir nada a estas alturas, espero.

Por lo demás, no resulta demasiado fácil analizar la cinta sin desbaratar todo su factor sorpresa. Comienza como una reunión familiar en un suntuoso caserón en las afueras de la ciudad de Columbia, y en la cena pronto surgen las primeras conversaciones recubiertas de alambre de espino. De sopetón, un asaltante desconocido comienza a asediar la casa y a disparar flechas a sus ocupantes…

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… Y desde ese momento, la tensión no se rebaja, las sorpresas no paran de sucederse y la sangre se alterna con algún diálogo de alto voltaje. Quizá el giro final resulte algo previsible, pero Wingard rueda con un brío que hacía bastante que no se veía en el género. En resumen, la mejor película de terror de bajo presupuesto del último lustro o más, imperdible para cualquier aficionado a las emociones fuertes, en pantalla o no.

NOTA: y por si alguien se lo estaba preguntando, la única canción que se escucha insistentemente durante el metraje es del músico de Power-Pop Dwight Twilley:

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* TÚ ERES EL SIGUIENTE (2011). Director: Adam WingardINTÉRPRETES: Sharni Vinson, Nicholas Tucci, Wendy Glenn, AJ Bowen, Joe Swanberg, Sarah Myers, Amy Seimetz, Rob Moran, Barbara Crampton, Ti West, Simon Barrett, LC Holt. NACIONALIDAD: EE. UU. El DVD sale a la venta el 4 de febrero, pero puedes descargar la película aquí. 

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ene 262014
 

CBGB, de Randall Miller: LA HISTORIA (PUNK) QUE NO SE REPITE

Calificación: 6,5/10. 

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¿Os imaginaís que en medio de una crisis económica mundial y en un barrio con uno de los índices de criminalidad más alto de una ciudad en bancarrota alguien abre un tugurio y acaba reuniendo a algunos de los músicos más influyentes de ese siglo?

Pero no, no se trata de esta eviterna crisis -¡qué más quisiéramos!-, sino de la del petróleo en los 70. Aquella ciudad era la misma Nueva York que Scorsese y Schrader plasmaron con su poesía desesperada y definitiva en Taxi Driver. El barrio, Bowery, que hoy acoge a eso que todavía se sigue llamando “la clase acomodada”. Y, por supuesto, aquel visionario por accidente fue Hilly Kristal, que pretendió difundir el Country, el Bluegrass y el Blues desde un antro llamado por abreviatura CBGB. Los que desfilaron por allí, huelga decirlo, los Ramones, Blondie, Patti Smith, los Talking Heads, Television, Johnny Thunders o Iggy Pop, por dejarme muchos. Es decir: aquella primera y definitiva hornada del Punk y la New Wave norteamericanos, quizá más importante que la británica (mejor dejamos ese debate para otro momento).

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En este sentido, CBGB, la película, se hace ya grande por lo que cuenta. Su argumento basado en hechos reales nos puede parecer más improbable que el más rebuscado de una de ciencia-ficción, pero no ha habido ni habrá marcianos más entrañables que Joey Ramone, Patti Smith o los Dead Boys. Y, sin embargo, la película da una vuelta de tuerca al punto de vista para no quedarse en otro multi-biopic de grandes éxitos tipo Cadillac Records: el Punk, como estilo y filosofía, en realidad se gestó paralelamente en un garaje de Connecticut, con la aparición de la revista llamada, precisamente, Punk.

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Y al final, no obstante, todo lo que en el filme proviene de Punk, la revista, resulta lo más endeble y discutible de la propuesta, desde esas transiciones de cómic para los cambios de secuencia hasta algunas líneas de diálogo más pedantes imposible, las cuales sí ridiculizan y banalizan no poco el fenómeno del CBGB y la gestación del Punk (el estilo musical, no la revista). Porque al contrario de lo que han opinado casi todos, creo que hay aquí una dirección de actores decente y un reparto que funciona en su gran mayoría, mención especial para el habitual del director Alan Rickman, la conocida por la saga Crepúsculo Ashley Greene (foto superior) y una asombrosa Malin Akerman dando vida a la no menos asombrosa Debbie Harry, que a estas alturas debería constituir un icono tan tópico como Marilyn o Audrey Hepburn, pero la vida no es justa. 

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Por lo demás, resulta una gozada entrar por un rato en el caótico club que da título al filme y volver a escuchar los grandes éxitos de todos los músicos mentados, y hasta casi diría que verlos encarnados por actores jóvenes; justo lo contrario que comprobar que, para lo bueno, la Historia nunca se repite… (Aquí elimino un deprimente párrafo sobre la situación socioeconómica actual y la falta de interés por la música, y más por el Punk, de la juventud de hoy, sobre todo para no repetirme yo tampoco).

En conjunto, una propuesta mucho más atractiva para melómanos que para cinéfilos, aunque ser las dos cosas al mismo tiempo tampoco venga mal para el visionado. 

 * CBGB (2013). DIRECTOR: Randall Miller. INTÉRPRETES: Malin Akerman, Ryan Hurst, Stana Katic, Johnny Galecki, Ashley Greene, Alan Rickman, Rupert Grint, Ahna O’Reilly, Kyle Gallner, Justin Bartha, Bradley Whitford,Donal Logue, Freddy Rodríguez, Joel David Moore, Mickey Sumner, Josh Zuckerman, Michael Massee, Estelle Harris, Taylor Hawkins, Julian Acosta, Peter Vack, Tom Nowicki, Steven Schub. NACIONALIDAD: EE. UU. La película no tiene de momento fecha de estreno en España, pero puedes verla online y descargarla aquí

Y como este blog siempre intenta dar un poquito más que los demás, la revista Punk se publicó en España, y he escaneado algunas muestras de un ejemplar (que me regaló precisamente una ex-novia que cantaba en un dúo musical de los tiempos del Electroclash) para solaz de los visitantes, aunque advierto que es políticamente incorrectísimo:

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ene 262014
 

AGOSTO, de John Wells: LA FAMILIA (DISFUNCIONAL) Y UNO MENOS

Calificación: 6,5/10. 

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Hay películas difíciles de ver que el espectador no necesita en absoluto y que, para colmo, pretenden culpabilizarle de no sé qué, y como público, crítica y jurados no saben muy bien cómo tomárselas, las alaban y premian sin reparos. Por eso ha arrasado en los Globos de Oro Doce años de esclavitud. Hay otras películas, sin embargo, difíciles de ver y que al espectador le pueden ser imprescindibles, como Agosto. Querido lector: si piensas que tu familia acumula más mierda que la familia Panero y además la esconde bajo la alfombra, desde luego esta es tu película.

El punto de partida es una muerte accidental con pinta de suicidio del patriarca de la que a partir de ahora será la familia disfuncional por antonomasia: los Weston. El funeral de Beverly Weston (Sam Shepard), entre otras cosas laureado poeta, reúne al clan. El calor de Oklahoma sirve para dar a todo un aire mórbido y putrefacto, casi como en Tennessee Williams. La cena posterior, donde la viuda (Meryl Streep), cuya adicción a las más diversas pastillas le hace soltar por la boca sapos y culebras contra sus supuestos seres queridos, resulta de antología. Y aunque parezca que a partir de ahí la función no puede ganar en sordidez, aparecerán otros escabrosos componentes de la misma muy inusuales en el cine comercial: incesto y corrupción de menores. Lo remata todo la última revelación sobre la muerte de Beverly Weston…

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A Agosto la inmensa mayoría la ha acusado de teatro filmado no muy convincente como cine. A mí no me parece exactamente eso; es más bien que el sobre todo televisivo John Wells lo filma todo con demasiada precisión, o incluso diría que hasta con preciosismo. Esto ayuda sobremanera a que el espectador no pierda ripio de las interpretaciones –sin duda el plato fuerte del espectáculo-, pero contrasta con la virulencia del texto, dando cierta sensación de artificiosidad. Lo cruel parece demasiado calculado para ser visceral, así que algo se ha perdido en el camino de esta adaptación cinematográfica de la obra de Tracy Letts cuyo guión ha pergeñado él mismo.

No obstante, lo dicho: los actores -extraordinarios desde el primero hasta el último aunque destaquen más ellas, y sobre todo Meryl Streep- insuflan autenticidad a la propuesta. Gracias a los intérpretes y no al de detrás de la cámara se transmite la ferocidad del libreto de Letts. Lo dicho también: amable lector, si piensas que estas últimas Navidades has vivido comidas y cenas traumáticas, ni se te ocurra perdértela para comprobar, como el hombre que comía altramuces del infante don Juan Manuel, que siempre puede ser peor. Muchísimo peor, de hecho. 

* AGOSTO (2013). DIRECTOR: John Wells. INTÉRPRETES: Meryl Streep, Julia Roberts, Ewan McGregor, Chris Cooper, Abigail Breslin,Benedict Cumberbatch, Juliette Lewis, Margo Martindale, Dermot Mulroney, Sam Shepard, Misty Upham, Julianne Nicholson. NACIONALIDAD: EE. UU. La película se estrenó el viernes 10 de enero, pero puedes verla online y descargarla aquí

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ene 162014
 

LA VIDA SECRETA DE WALTER MITTY, de Ben Stiller: EL REMAKE COMO AVENTURA

Calificación: 7/10.

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De unos cinco años a esta parte, y en vista de la gama media-baja de los productos protagonizados y dirigidos por Ben Stiller, estábamos empezando a creer que habíamos sobrevalorado al cómico judío. Y, de pronto, Stiller se fija para hacer un remake en una añeja comedia de los años 40 (subtítulos aquí) que ha envejecido particularmente mal, por su rudimentaria comicidad cercana al slapstick mudo que el estomagante actor Danny Kaye estiraba hasta los límites de lo soportable… y el director de Zoolander consigue transformarla por completo.

No obstante, Stiller ha declarado que sí siente aprecio por la película de Norman Z. McLeod, pero su nueva versión es un ejemplo de infidelidad tanto a ella como a la historia corta de James Thurber en que se basa. Se podría decir más bien que Stiller las utiliza de punto de partida para empezar a edificar, con ayuda del conocido guionista Steve Conrad (El hombre del tiempo, En busca de la felicidad), una obra totalmente nueva y casi inédita sobre el fracaso, la distancia entre la realidad y el deseo y un sentido de la aventura tan romántico como houstoniano.

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De hecho, en La vida secreta de Walter Mitty, la nueva versión, las referencias al universo original de Thurber y McLeod, esas ensoñaciones con las que el protagonista se abstrae, son lo más débil de la función, o, más bien, lo son sobre el papel, porque Stiller les insufla un sentido visual que pocas veces le habíamos visto, a la vez que en una de ellas, la de la parodia de Benjamin Button, exprime su faceta más conocida con un resultado desternillante.

THE SECRET LIFE OF WALTER MITTY

Pero Stiller y Steve Conrad se lucen en el resto de aspectos del filme, empezando por su ambientación en la revista Life, o más bien en los estertores de su edición impresa con la consiguiente y dramática reducción de plantilla (sucedió en la realidad a mediados de 2007); en el romance, donde Kristen Wiig, proveniente como Stiller del Saturday Night Live, da la réplica perfecta y acumula con este la química deseable; pero, sobre todo, en la aventura, donde el filme comienza a cobrar entidad propia, y, por decirlo así, se hace grande: Mitty, procesador de las fotografías de la revista mencionada, extravía aparentemente el negativo de la que iba a ser la portada del último número en formato físico, y decide pedírselo personalmente al fotógrafo-reportero-aventurero que realizó la instantánea (Sean Penn), persiguiendo a este por medio mundo, desde Islandia hasta el Tíbet, con todo tipo de peripecias de por medio. Ese sentido de la aventura como fin más que como medio y como forma de vida  (en este caso, el verdadero comienzo de la  de Mitty) entronca con Houston y Hawks, y desde luego resulta insólito en el cine de hoy.

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Espero que las anteriores líneas logren traslucir que hablamos de una película emocionante, que equilibra con maestría sus diferentes elementos y que supone un paso adelante en la filmografía de Stiller. A mí no me cabe la menor duda que se trata de lo mejor que ha dirigido, ni de que le va a resultar muy difícil superarla. Por cierto: en estas fechas, muy adecuada para toda la familia.

* LA VIDA SECRETA DE WALTER MITTY (2013). DIRECTOR: Ben Stiller. INTÉRPRETES: Ben Stiller, Kristen Wiig, Adam Scott, Patton Oswalt, Shirley MacLaine, Kathryn Hahn, Sean Penn. NACIONALIDAD: EE. UU. La película se estrenó ayer miércoles 25 de diciembre. Sin enlaces de descarga por el momento. 

THE SECRET LIFE OF WALTER MITTY

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ene 022014
 

Un preámbulo muy breve: este año, debido un poco a cómo se ha ido desarrollando la actividad del blog y también a que lo podido ver en salas no ha resultado en conjunto excesivamente interesante, incluyo también películas no estrenadas aún y hasta una producida para la televisión. No está The cabin in the Woods porque ya la incluí en la lista del año pasado. Los enlaces de descarga, en los títulos, como siempre, y los subtítulos aparte en caso de que sea necesario. 

Kore-eda

10. DE TAL PADRE, TAL HIJO, de Hirokazu Kore-eda. El veterano Kore-eda pone sobre el tapete con su última obra una cuestión que hacía mucho que no se planteaba en el cine: con los hijos, ¿puede más la sangre o el afecto? Aunque ni un solo criticastro lo haya recordado, hay una película francesa de los 80 que trata exactamente el mismo tema y que, aun en clave de comedia bufa, resulta superior: La vida es un largo río tranquilo, de Étienne Chatiliez. No obstante, Kore-eda filma su historia con un rigor tan minucioso que pasma y lo desborda todo con un gran final, de los mejores que se han visto en pantalla este año. NOTA: no disponibles aún los subtítulos en español. 

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9. PARADISE, de Diablo Cody. El debut en la dirección de la oscarizada guionista y ex-stripper Diablo Cody resulta sumamente irregular, pero cuando los personajes de Cody cobran vida en vez de hablar como quiere la guionista, el filme se acerca a la sublimidad y consigue un tono casi inédito en el cine indie americano. Hermosa –pero irregular, insisto- fábula sobre una superviviente de una catástrofe aérea que acude a Las Vegas a experimentar todos los placeres posibles. El resto lo hacen Octavia Spencer, Russell Brand y Julianne Hough.

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8. SHARKNADO, de Anthony C. Ferrante. Sí, Sharknado. Porque representa a todas esas pelis de bichos del canal SyFy que nadie se había tomado en serio hasta ahora, pero esta ha sacado 3 millones de espectadores y 400.000 menciones en Twitter el día de su primer pase. Una pequeña revolución, y es que, a pesar de su disparate de argumento y de sus efectos especiales baratos, se trata de una de las mejores películas de serie B que se han hecho jamás, trepidante de principio a fin y llena de líneas de diálogo memorables. Una película de culto instantánea.

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7. SPRING BREAKERS, de Harmony Korine. El guionista de los primeros filmes de Larry Clark, hasta el momento director experimental, reutiliza a un par de estrellas Disney y a un James Franco que ni ha estado ni estará mejor para lograr un filme insólito, donde la física y la metafísica del Mal lindan con el misticismo de la unidad en la celebración colectiva. La única pega que se le puede poner a Korine es que afloja demasiado en la parte central, aunque el inicio y el desenlace posean una fuerza arrolladora, y hay escenas tan impecablemente filmadas como la del atraco. Muy buena en conjunto, pero no para todos los paladares.

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6. THE LOOK OF LOVE, de Michael Winterbottom. El biopic pocas veces había llegado a cotas como las que alcanza Winterbottom narrando la vida del famoso empresario pornógrafo Paul Raymond, al que encarna el mejor Steve Coogan posible. Al principio es una historia de arribismo en clave cínica y pop; luego, una recreación casi scorsesiana de los excesos que conlleva el éxito; finalmente, se queda en una imitación a la vida que se mueve en la fina línea entre el culebrón y la tragedia griega. ¿La mejor película de Winterbottom?

Sandra Bullock

5. GRAVITY, de Alfonso Cuarón. Todos nos quedamos boquiabiertos con esta aventura interestelar en 3D, que James Cameron ha asegurado que se trata de la mejor película sobre el espacio hecha jamás. Sea eso cierto o no, visualmente resulta apabullante y su ritmo en la segunda mitad, casi perfecto. Un milagro técnico y artesanal que se ha comparado en lo grandioso con 2001, de Kubrick.

LaEspuma

4. LA ESPUMA DE LOS DÍAS, de Michel Gondry. Parecería que el conocido realizador galo, al que muchos tildan de genio, utilizó la limitadísima The Green Hornet para coger aliento y darnos su obra visualmente más exuberante, lo cual ya es mucho si se piensa que hablamos de Gondry. Él pone toda su técnica, inventiva y alma en esta adaptación de Boris Vian que resulta una experiencia arrebatadora y agotadora. A título personal, la primera vez que el libro –y lo siento por el sacrilegio- me aburre y la película me entusiasma.

SimpleLife

3. A SIMPLE LIFE, de Ann Hui. La única directora oriental de culto cuyas obras llegan a Occidente nos trae una película que nunca habíamos visto sobre la gratitud, la muerte y una extraña relación de afecto y dependencia entre un hombre y su ama de cría. Con tanta sobriedad en la puesta en escena como serenidad en el ánimo, la película, sin embargo, consigue dejar el corazón en un puño. Muy difícil de olvidar. Subtítulos aquí

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2. PARAÍSO: ESPERANZA, de Ulrich Seidl. Dicen que Seidl ha desbancado a Haneke como enfant terrible del cine austriaco, y si bien los dos primeros capítulos de la trilogía Paraíso resultaban algo romos, en este último el director consigue la proeza de alternar su tono cruel con una inusitada ternura al contar la historia de amor imposible entre una treceañera y un médico en un campamento para adolescentes obesos. Al superarse a sí mismo, Seidl logra un equilibrio casi imposible entre una mirada despiadada sobre lo que filma y a la vez llena de comprensión y humanidad. Única e inigualable.

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1. STOKER, de Chan-wook Park. En su primera aventura en Hollywood, el director coreano conocido por Oldboy tiene el acierto y la fortuna de elegir un guión del actor Wentworth Miller que llevaba años en mesas de despachos, y el resultado es un insólito y malsano cruce entre el Hitchcock de los 40 y 50, el nuevo terror japonés y el thriller norteamericano ultraviolento. La forma en que Park cuida al milímetro su puesta en escena en cada uno de sus planos convierte a Stoker en una lección de Cine con mayúsculas. Cuenta además con unos intérpretes en estado de gracia, entre los que destaca una Nicole Kidman que ya hubiera querido para sí el maestro Hitch. Para ver muchísimas veces apreciando cada detalle.

Y este año también me han encantado -sin parecerme, quizá, tan significativas como las de la lista- Behind The Candelabra, Los Croods, Si fuera fácil, Frozen, El camino de vuelta, El chico del periódico, Mud, Insidious: capítulo 2, The Canyons, Epic, The East, The Trip, Blue Valentine, El lado bueno de las cosas, Amor y letras y La vida secreta de Walter Mitty (de esta última tratará la próxima entrada).

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