Butaca numerada

La compañía canadiense 'Les 7 Doigts de la Main' se encuentra en Madrid desde el 7 hasta el 18 de abril para representar su cuarto y último espectáculo ‘PSY' en el Teatro Circo Price. Este montaje indaga, con una sensibilidad exquisita y un nivel técnico bestial, en la psique humana. Lo hace con once artistas, que se meten en la piel de personajes con otras tantas patologías amnesia mediante diferentes artes circenses sin un hilo narrativo evidente ni obligado por las circunstancias.

La esquizofrenia, los trastornos del sueño, la agorafobia, la personalidad múltiple, el trastorno maníaco-depresivos, la hipocondría, la amnesia, el trastorno explosivo intermitente, la adicción, la paranoia y los trastornos obsesivos compulsivos constituyen el elenco de situaciones mentales propuestas por el cuerpo artístico, que integran miembros como Näel Jammal, Julien Silliau u Olga Kosova. Todos ellos, ambientados por una atmósfera musical adecuada y la moderna funcionalidad de la escenografía, manifiestan y vencen su dolor mental a través del trapecio, los equilibrios, los malabares solos y en grupo, el mano a mano, la báscula, la recepción de saltos y acrobacias, el mástil chino, la manipulación y lanzamiento de cuchillos, la cuerda lisa o la rueda alemana. Así, 'PSY', presenta un meritorio ejemplo de circo contemporáneo manejado desde la dirección artística por Shana Carroll, encargada de la puesta en escena, el escenario y las escenografías.

Situaciones como la de un hombre que escucha voces y trepa sobre un trapecio suspendido de los dedos de los pies cuando se encuentra en el despacho del psiquiatra, el sufrimiento de otro personaje con trastornos obsesivos que huye de los peatones a base de acrobacias, el viaje a la alturas de una mujer marcada por la agorafobia o la agonía de un ser sin identidad entre rostros enmascarados configuran 'PSY', donde los protagonistas tienen su papel, forman parte de los recuerdos de los demás, hacen terapia y actúan también de psicológicos en este embrollo neurótico. 

Paisajes cambiantes, sueños borrosos y recuerdos fragmentos elaboran la función, una metáfora de cómo el cuerpo se convierte en instrumento para expresar las visiones, las meditaciones del alma. Según lo expuesto por la compañía canadiense, el cuerpo triunfa durante 'PSY' y el espectáculo transmite el valor y el poder que llevamos en nuestro interior. El alma humana se traduce en múltiples fórmulas de pensamiento o acción que, más de allá de su catalogación médica o la incapacidad personal para asumirlos, suponen un potencial inagotable. Liberémoslo. Por nuestro bien. Y el del arte.

-Vídeo del espectáculo

Publicado el 8 de abril de 2010 a las 11:45.

"En una hora y cuarenta, revives toda la vida de Piaf, sus canciones y disfrutas de una forma moderna de contar una historia, es muy rápida y muy emotiva. Sus intérpretes terminan siempre llorando. Además, no acaba de ser un musical. Tiene casi más teatro". Quien habla es Elena Roger, bonaerense de 35 años y  Premio Olivier a la Mejor Actriz en Obra Musical por su actuación en 'PIAF', un espectáculo maravilloso que ha cautivado al público británico durante su estancia en el Vaudeville Theatre de Londres, al igual que agradó sobremanera en su posterior visita a Argentina. Ahora, prepara su desembarco en el Teatro Nuevo Alcalá (Madrid) para su estreno el 13 de abril. 

Édith Giovanna Gassion ha sido siempre todo un símbolo en la canción francesa y la vida del denominado 'gorrión de París' ha sido trasladada a los escenarios en esta brillante producción que recomiendo a todos los mortales. Asimismo, si quieren profundizar en la figura de esta impresionante mujer, tienen a su disposición una sensacional película llamada 'La vida en rosa', protagonizada por Marion Cotillard. A esta inmensa actriz le dieron un Oscar por la interpretación de Piaf.

Publicado el 24 de marzo de 2010 a las 11:00.

Cuando hablamos de Sara Baras (San Fernando, 1972), lo hacemos de una de las bailaoras españolas más importantes del mundo pero, sobre todo, nos referimos a un ciclón, una mujer que transmite decenas de sentimientos instantáneos con su baile. El lenguaje corporal de Baras está al alcance de todos los mortales y la asistencia al espectáculo 'Sabores' en el Teatro Nuevo Apolo (Madrid) hace cuatro años fue un argumento suficiente para comprender la grandeza que emana esta artista gaditana.

Sara Baras ha decidido poner el punto y aparte a su carrera profesional el próximo 25 de abril en Cádiz, pero antes actuará en Mallorca y en Madrid. La capital acoge a Baras del 23 de marzo al 11 de abril en el teatro Häagen-Dazs (antiguo Teatro Calderón). La bailora presenta 'Escena' en todos estos lugares. Se trata de un recorrido, algo así como un tributo, por una selección de números que han formado parte de sus nueve espectáculos durante doce años de trabajo. Saras, que estará acompañada sobre las tablas por José Serrano, define 'Esencia' como una obra que muestra la evolución de la compañía y de ella misma durante todo este tiempo. Nuevas coreografías sobre lo coreografiado, una escenografía diferente, un llamativo vestuario y el sobresaliente diseño de luces dotarán a 'Esencia' "del punto de vista de hoy con la esencia que tuvo".

Sara Baras tiene un motivo importante para abandonar, de forma temporal, el baile. Quiere ser madre y los médicos le han dicho que sería imposible compaginar ambos propósitos. La artista graditana lleva más de 30 años bailando y por eso le da pena que llegue este momento, aunque también comprende que así podrá hacer un montón de cosas que no ha podido hacer durante todo este tiempo. Le echaremos de menos, pero estamos seguros de que volverá por sus fueros.

Publicado el 23 de marzo de 2010 a las 15:30.

En lo que respecta a Michael Jackson, siempre existe la desconfianza provocada por la gallina de los huevos de oro. La creación de un espectáculo musical dedicado al denominado 'Rey del Pop', con el sambenito de que sea un proyecto español, cuando han pasado solamente nueve meses después de su muerte puede provocar una rara incertidumbre, que los fans de MJ observan desde la distancia por la admiración profesada. Si el principal propósito de 'Forever King of Pop' consiste en hacer caja con lo justo, no se nota. Se ha hecho con el corazón y con bastante materia gris.

Esta creación de Summum Music, con Carlos Javier López y Jesús Sánchez como cerebros principales de la operación, está empezando a rodar (su estreno tuvo lugar el pasado sábado 13 de marzo) y eso se advierte en la puesta en escena, marcada por constantes problemas técnicos. Pese a determinados errores, las voces que recuerdan a Michael Jackson, los bailes de sus dobles y el numeroso grupo de baile que realiza las coreografías dan la talla artística, creando momentos mágicos como la recreación de 'Thriller', el espíritu escénico transmitido en 'Man in the mirror' o un potente 'Heal the world'. Evidentemente, con la inestimable colaboración de una banda fabulosa.

La sensación inicial al observar una serie de plataformas de metal sobre el escenario y esa pantalla de vídeo en el centro cuando uno entra en el teatro, sin un telón que esconda todo esto, chirría ante dos ojos habituados al mundo del espectáculo. La pobre escenografía de 'Forever King of Pop' produce un desencanto inicial, así como el 'sello Disney' exhibido por los narradores, cuya propuesta carece de un hilo argumental definido, a excepción de las loas constantes a MJ en recuerdo de su figura. Samuel Gómez, magnífico, y Carolina Serrato, también cantan y arrancan la sesión musical con aquellas primeras joyas entonadas por Michael en la época de 'The Jackson Five'.

El primer número de Fran Jackson como imitador corporal de Michael (varios cantantes leen sus labios desde una de las plataformas) calienta el ambiente y supone el punto de partida hacia un recopilatorio soberbio, que incluye todos los grandes éxitos de Michael Jackson. Mampuele, otro de los dobles de 'Jako', también luce un parecido físico fascinante al del artista homenajeado y no despunta tanto como Fran, pero su timbre vocal evoca a MJ. En el tramo final de 'Forever King of Pop', un coro gospel le otorga un punto de calidad extraordinaria a diversos temas populares.

A la salida del teatro Lope de Vega (Madrid) la noche del miércoles 17, donde el espectáculo estará hasta el 25 de abril, había una satisfacción generalizada entre los espectadores por lo que habían visto y sentido durante los 150 minutos que dura la función. Una señora mayor manifestaba su emoción sin reparos. La música de Jackson le transmite alegría, por lo que bailó y cantó sin parar en su butaca. Un matrimonio, que acudió al teatro con sus hijos, recordaba el memorable concierto de Michael Jackson en Nueva York durante 2001. Estuvieron allí y, aunque las comparaciones son odiosas, aseguran que 'Forever King of Pop' les recordó a aquella noche memorable. El trabajo de Yolanda Torosio en las coreografías tiene mucho que ver en este aspecto.

La calidad artística de quienes se suben al escenario compensa con creces el decepcionante envoltorio escénico y audiovisual de este singular concierto dedicado a Michael Jackson. Dependiendo del día, la función les costará en 17 y 45 euros, unos precios habituales para un evento de estas características. Mediten, pero si son fans de 'Jako', les recomiendo una visita al Lope de Vega. Aunque ya no se encuentre entre nosotros, su espíritu sigue muy, muy vivo.

Publicado el 18 de marzo de 2010 a las 10:30.

La solemnidad preside la entrada del Teatro de la Abadía, un centro eclesiástico reconvertido en teatro desde 1995 y que celebra a lo largo de esta temporada 2009-2010 sus quince años de vida. Lo hace con diversos montajes, uno de los cuales se ha programado desde el 1 de febrero hasta el 21 de marzo con un perspicaz texto de Eduardo de Filippo dirigido por Carles Alfaro: 'El arte de la comedia'.

Actores que salieron de aquella primera promoción como Pedro Casablanc y otros que han actuado con anterioridad en este singular espacio como José Luis Alcobendas o Enric Benavent integran el reparto de esta obra, que el mencionado actor, director y dramaturgo napolitano estrenó en 1964. Ha transcurrido casi medio siglo desde aquella creación, pero como sucede con las grandes obras artísticas, su significado continúa vigente a los ojos de quienes ocupan las butacas del teatro. De hecho, una adaptación al siglo XXI simplemente necesaría modificaciones puntuales.

La relación entre realidad y ficción se postula como una de las constantes en el ámbito teatral. Este dilema supone uno de las moralejas incluidas en una función, que también pone sobre la mesa el confuso entendimiento entre el teatro, como poderosa fuente de cultura, y el poder gubernamental. 'El arte de la comedia' comienza con un monólogo de Oreste Campese (Enric Benavent), que baja las escaleras hacia las faldas del escenario con un dibujo interpretativo que rinde tributo al oficio, a la profesión, un rasgo habitual durante la representación e intrínseco a 'El arte de la comedia'. Campese es el director de un modesto teatro y visita al nuevo gobernador de la localidad para pedirle ayuda.

Un incendio ha destruído el local de la compañía que comanda Campese y éste, inmerso en un diálogo sublime con el gobernador (Pedro Casablanc), le solicita su presencia en una de las representaciones como estrategia solidaria. El desencuentro entre ambos supone el punto de partida a una doble vía interpretativa a la hora de valorar los acontecimientos. ¿Acuden el médico, el párroco o la maestra al despacho del personaje interpretado por Casablanc como tales o son los cómicos de un Campese resentido por el rechazo recibido?

Con la inestimable complicidad de José Luis Alcobendas, secretario del gobernador, la obra adquiere velocidad y un grato dramatismo cómico, hasta el punto de infundir en el espectador las mismas dudas que posee el gobernador. La credibilidad de la situación otorga al espectáculo un mérito sobresaliente, a la altura de este texto universal.

Enlaces:

-Entrevista a Pedro Casablanc, Enric Benavent y José Luis Alcobendas

-Tráiler de 'El arte de la comedia'

Publicado el 9 de marzo de 2010 a las 13:30.

El hombre que aparece en las imágenes anteriores no necesita presentación. Sin embargo, incurro en el delito. Leo Bassi. Simplemente, Leo Bassi. Si andan por Madrid, todavía pueden verle en Teatro Alfil representando 'Utopía' por segunda vez, ya que allí estuvo el pasado año. "Han sido seis semanas fantásticas", comentaba Leo el pasado lunes 1 de marzo en el programa radiofónico 'La Corbata', que se emite en Radio Círculo, la emisora del Círculo de Bellas Artes.

La obra baja el telón en la capital el próximo día 14. Bassi se encuentra muy emocionado por "el cariño del público. La gente me manda correos electrónicos después del espectáculo con ideas para cambiar el mundo. Eso le da mucho calor a mi corazón porque significa que el público ve un llamamiento a la utopía de verdad y no sólo un espectáculo", apunta el actor y cómico (Nueva York, 1952). Bassi nació en la 48 con la octava avenida de Nueva York y sus padres, que también eran artistas, actuaban por aquel entonces en Times Square. Así lo recordaba Leo al principio de la citada entrevista. Si quieres escucharla, aquí encontrarás el enlace. Durante media hora, Bassi habló sobre la obra teatral en cuestión, la situación social que vivimos y su estilo artístico.

Para Leo, existe mucha naturalidad en la selección de los temas que traslada a los escenarios."Pienso en el tema que más interesa en un momento determinado y lo hago sabiendo que el público me ayuda a entender lo que quiero decir, con sus reflexiones y conclusiones que muestren. Esto ha sido verdad en todos los espectáculos, pero especialmente en éste: 'Utopia'". El significado etimológico de 'utopía' es "lugar que no existe" y, según Bassi "el error de nuestra época consiste en pensar que este lugar no puede existir. Quizá no exista en la realidad, pero sí en la poesía, la magia, el romanticismo. Todos los movimientos utópicos tienen más una dimensión mágica que radical. Eso lo sabía, pero no lo he vivido hasta ahora", reconoce el artista neoyorquino de origen italiano, como resalta su primer apellido.

Continuando con las reflexiones sobre la utopía, Bassi concluye con cierta melancolía en su dialéctica. "El problema de nuestra época es que vivimos sin magia. He vivido en otras civilizaciones y tú ves que otros pueblos viven constamente en la magia. El mundo laico necesita esta magia, porque si no todo es muy aburrido y se reduce a cosas materiales", comprende Leo. "¿Qué es la publicidad? Una utopía falsa, interesada y no inocente", añade el creador del espectáculo 'Utopía', quien afirma la necesidad de, al menos, seis horas para explicar los motivos humanos que nos han llevado a esta situación.

Su físico impone, al igual que su tono de voz. Transmite una ilusión infantil en las exposiciones sentimentales, pero defiende con una firmeza madura los pensamientos ideológicos de toda una vida dedicada a la interpretación y agitación cultural. ¿Tiene Leo Bassi un público minoritario, aunque fiel en la capital? "Lo que pasa en Madrid es diferente de lo que pasa en el resto de España, donde hago de espectáculos en muchos sitios. Creo que estoy conquistando un público nuevo, no en Madrid, donde las cosas son más cínicas". Cierto, predomina el conservadurismo ideológico en determinados espacios escénicas. Además, Bassi no tiene demasiado tiempo para darle vueltas a este sinsentido porque hoy está aquí y mañana allá. Defendiendo su palabra. Escalando una montaña empinada hasta la utopía.

Publicado el 4 de marzo de 2010 a las 10:00.

La coproducción teatral del Centro Dramático Nacional con Animalario regresa a Madrid desde el 4 de marzo hasta el 11 de abril en el Teatro Valle-Inclán. La obra cuenta con 12 nominaciones a los Premios Max 2010. Si quieren verla, apúrense. Casi no quedan entradas. El espectáculo dirigido por Andrés Lima y basado en un texto de Juan Cavestany se estrenó el pasado 25 de septiembre de 2008 y ha tenido un recorrido exitoso por las salas de toda España. Roberto Álamo hace de 'Urtain' y el reparto incluye a actores como Raúl Arévalo o Alberto San Juan. 

José Manuel Ibar Aspiazu, más conocido como 'Urtain', se convirtió en un deportista muy popular durante la España de los 70 como boxeador. "Fue utilizado como símbolo, como marca. La del toro, la del coñac, la España con dos cojones, la España de raza que tanto gustaba a Franco. ¡Y encima era vasco!", apunta Andrés Lima, director de la obra sobre el significado de este viaje en el tiempo a los 70. Según Cavestany, creador del texto, 'Urtain' "es un viaje a través de una España que se mueve por un camino marcado por la sangre y la política, el destino y la fabricación, la inocencia y la mentira, el deseo atormentado y la posibilidad siempre fugaz del éxito".

La historia teatral sucede en un cuadrilátero de boxeo, donde Animalario pone de manifiesto lo que significó 'Urtain' en aquella sociedad y cuál fue su actitud ante la vida. Este evento artístico ha conseguido 12 nominaciones en la XIII edición de los Premios Max de las Artes Escénicas. Opta al premio como Mejor Espectáculo de Teatro, Mejor Director de Escena (Andrés Lima), Mejor Actor Protagonista (Roberto Álamo) y Mejor Actor de Reparto (hacen doblete Alberto San Juan y Alfonso Lara), entre otros posibles galardones.

Publicado el 2 de marzo de 2010 a las 08:45.

Dios o quien haya tenido la ingeniosa de entrelazar el destino de hombres y mujeres, nos colocó en el mismo mundo. Y se armó la 'marimorena'. Nos amamos con locura, existe una necesidad mutua, pero las relaciones vitales entre el género masculino y femenino se convierten en una de serie acciones o pensamientos habituales, comunes, previsibles, inevitables. Si hablamos de amor, ese sentimiento tan intenso que nos calienta o nos quema, la interacción produce situaciones tan intensas como peligrosas, debido a nuestra naturaleza humana, que pide a gritos cariño y sexo. Sexo y cariño. Comprensión.

Dentro del amor o los encuentros afectivos entre hombre y mujer, se pone de manifiesto un hecho muy cotidiano. Todos vendemos la mejor versión que llevamos dentro e idolatramos a la persona amada en cuanto la conocemos para, posteriormente, dedicar gran parte de nuestro tiempo y esfuerzo a modificarla de forma conveniente. Este hecho sirvió de pretexto para la creación de un espectáculo teatral en el Off-Broadway, la vertiente más alternativa del teatro neoyorquino, cuyo éxito ha sido demoledor durante muchos años.

Ahora, 'Te quiero, eres perfecto... ¡Ya te cambiaré!, la versión española del citado evento, se representa durante su tercera temporada en el Teatro Alfil de Madrid. En un principio, hasta el 21 de marzo. Pablo Muñoz -Chápuli dirige el espectáculo de 'Tela Katola', una comedia musical de pequeño formato. El guión y las interpretaciones de las dos parejas presentes sobre el escenario (Ruth Calvo, Inma Mira, Jorge Gonzalo y el propio Pablo) consiguen una notable empatía con el público a base de 'sketches' con una adecuada carga humorística. Las canciones recitadas por los cuatro protagonistas suenan al compás de los teclados que domina Enrique Poves y el violín ejercitado por Paloma de Juan.

'Te quiero, eres perfecto... ¡Ya te cambiaré!' arranca con los clásicos nervios de una primera cita y realiza un proceso gradual en el tiempo de un pareja a través de diferentes experiencias frecuentes en todas las relaciones del mundo mundial. La selección de una película cuando vamos al cine, el fútbol, las compras, ese infierno en el que se convierte un viaje con la familia dentro del coche o la transformación radical que experimenta una pareja cuando tienen un niño y reciben la visita del clásico amigo soltero son escenas que forman parte de la obra, creíbles y logradas. Quizá las partes más dramáticas o nostálgicas, que las hay en el tramo final de cada función, no calen tanto como las jocosas entre los espectadores, pero todo ofrece un brillante sentido común. La sobriedad en la escenografía no impide que, mediante el vestuario o los elementos contextuales que aparecen y aparecen, uno viaje al lugar de los hechos, donde muchos estamos o estaremos en el futuro cercano. O lejano.

'Te quiero, eres perfecto... ¡Ya te cambiaré!' agrada por la familiaridad que despierta la parodia 'parejil' (si van con la suya acabarán a codazos entre sonrisas cómplices), el buen ritmo en el desarrollo del espectáculo, unas canciones bien entonadas, repletas de diversión e instantes lúdicos y una propuesta teatral sencilla a la par que efectiva ante los ojos de quien se sienta en la butaca. Además, el precio de las entradas compensa con creces la calidad de cada función.

Publicado el 1 de marzo de 2010 a las 11:15.

Vuelve el Festival Internacional de Improvisación (FESTIM), que celebra su cuarta edición desde el martes 23 al domingo 28 de febrero. Llos Teatros del Canal (Madrid) acogen este evento con precios populares. México, Colombia, Brasil y España se citan en el 'catch de impro'. Además, las tres compañías foráneas presentan sus respectivos espectáculos. Así lo explica Jorge Rueda, uno de los responsables de Impromadrid Teatro, la compañía que organiza esta cita para todos los públicos.

"El festival de improvisación incluye nueve funciones, en las que hay una parte muy importante, el torneo de 'catch', pero luego cada compañía presenta su propuesta escénica. México ofrece 'Humor mierda' (a cargo de la compañía Complot/Mierda), un espectáculo que no está tan pegado a la comedia habitual que genera la 'impro'. Colombia trae 'Colombian dei' (de la compañía Acción Impro), una obra de teatro que narra un día en una calle de Colombia con personajes prototípicos. 'Jogando no Quintal', la compañía brasileña, hace durante dos días un espectáculo infantil de 'impro' para niños por las mañanas", explica Jorge Rueda con detalle. Los citados espectáculos se representan el miércoles, el sábado y el domingo. Asimismo, el primer día, martes 23, todos participan en la inauguración.

"Luego, todos nos enfrentamos en el 'catch' para ver quien se lleva el jamón (el gran premio del torneo)", añade Jorge. "Cada noche vamos a ver dos peleas. El primer día (jueves) juega Brasil contra México y también España contra Colombia. En cada función, hay dos combates. Hacemos una especie de Liga, un todos contra todos, y los dos que más partidos hayan ganado pasan a la final del domingo (19:30 horas)". Las tres compañía foráneas representan a sus respectivos países. Impromadrid Teatro hace de España para configurar un cuarteto deslumbrante de propuestas teatrales.

Dicen que la técnica de la 'impro' surgió en Canadá durante los años 70, con el apelativo de 'match' y la intención de trasladar el espíritu de las competiciones deportivas a un enfrentamiento teatral entre dos contendientes. Con el paso del tiempo, esta semilla ha dado frutos en todo el mundo. Aunque todos los actores utilicen la misma técnica, las particularidades humorísticas de cada país condicionan, para bien y para mal, actuaciones como las previstas en el FESTIM.

José Luis Saldaña, de la compañía mexicana Complot/Escena reflexiona sobre este punto. "Ya de por sí, el humor es difícil y complejo. Parte de los referentes culturales, gastronómicos, económicos, etc. Todo eso se juega con el público, pero, sobre todo, lo que nosotros intentamos al improvisar con otras compañías es unificar las historias. La técnica está basada en la escucha y aceptación de propuestas. Hablar del humor me parece complicado, porque a veces dices "esto no falla" y luego hay un silencio absoluto", considera Saldaña.

Evidentemente, como en el fútbol, hay estilos. "Es muy rico ver como los colombianos hacen una 'impro' más física, moviéndose por todas partes. Los españoles y los mexicanos somos más verbales que los colombianos o los brasileños, que vienen del clown y buscan el cachondeo con el público", argumenta el artista mexicano. Lo dicho. Vuelve el FESTIM. ¡Vayan a verles y disfruten!

Publicado el 24 de febrero de 2010 a las 12:30.

Adrian Schvarzstein lleva las riendas de 'Kamchàtka', uno de los proyectos de su cosecha. Este artista multidisciplinar ha creado una compañía teatral cuya misión sorprende a propios y extraños en cualquier rincón del planeta Tierra. Este grupo de origen catalán formó parte del programa del festival 'Escena Contemporánea 2010' de Madrid y, como hemos comentado en el blog, agradó muchísimo a quienes se cruzaron en su camino.

Ocho actores utlizan la calle como escenario. Cada uno lleva consigo su correspondiente maleta. Parecen recién llegados de otro mundo, no hablan, pero da la impresión de que son humanos y más parecidos a nosotros que nosotros mismo. Adrián, ¿cómo nació este espectáculo que define a la compañía?

La idea se me ocurrió en un taller de teatro de calle que doy normalmente. Dije, en este taller vamos a trabajar la escucha, la improvisación de grupo, la técnica de poder salir a la calle para contar una historia, no sólo para reirnos del entorno. ¿Cuál puede ser? Mirando al universo que engloba este mundo, podemos ver que somos seres humanos que hemos viajado, emigrado, casi todos hemos llegamos de algún lugar, y sobre todo, los orígenes de cada uno de nosotros seguro que no son del mismo lugar.  Los movimientos de seres humanos son algo cotidiano. ¿Cómo lo traducimos a teatro de calle? Lo hicimos y hacemos trabajando la verdad, con personajes reales y gente que no va maquillada o vestida de forma especial. Sí, están anclados en el tiempo, llevan una maleta y nos cuentan la historia de un grupo de gente que acaba de llegar. No hablan los mismos códigos que su entorno, no tienen las mismas formas de expresarse o entender la vida que tenemos nosotros y eso puede despertar una reflexión sobre lo diferente y sobre la generosidad, la solidaridad o la ternura que estamos perdiendo. En los dos últimos años, el tiempo de vida que tiene el grupo teatral, hemos estado con esta historia en más de 14 países, no sé cuántas actuaciones hemos tenido, ni variaciones sobre este tema, hasta el punto de que ahora vamos a realizar un concierto con la Orquesta Filarmónica de Singapur sobre la historia de los animales (risas).

¿Con qué objetivo nace 'Kamchàtka' y cuál es su filosofía teatral?

La filosofía teatral es el trabajo de improvisación conjunto y sobre todo de escucha, de creación de historias. No son simplemente unos personajes o una forma estética, de expresión. Es poder realizar la misma idea con ocho personas, aunque se le haya ocurrido a uno. Es la técnica. Siempre sin palabras, con un carácter universal, buscando la interacción con la gente y, también, viviendo en el borde entre la realidad y el teatro. A nosotros lo que más nos gusta, como habéis visto en Madrid, es que el 95% de las personas que nos ha visto no tenga ni idea de qué hacemos o de donde venimos. Eso crea reflexión, preguntas y debate. A veces conflicto, que no es el objetivo, pero en ocasiones la propiedad privada supone eso. La actuación de Atocha tuvo absurdos como cuando nos dijeron que aquello no era de Renfe Cercanías, que era de ADIF y no teníamos autorización para pasar. Había una línea blanca en el suelo. Nada mejor que esto. Un inmigrante que no puede cruzar la frontera. Los mismos 'seguratas' se reían con este absurdo.

Cómo valoras la situación actual del teatro de calle tanto dentro como fuera de España? Tiene que ser muy complicado llevar a cabo este pequeño género...

Es muy complicado. Incluso más. Cuando vas a un espectáculo de teatro, pagas la entrada y deseas ver esa obra. Hay butacas y todo lo que te convierte en un espectador protegido. En la calle estás desprotegido, no sólo por la lluvia sino por otros asuntos como los permisos. A nivel español, estamos muy bien. Hay muchos festivales, se aprecia mucho el teatro de calle, aunque también existe una relación directa con las fiestas más populares. Existe mucha sensibilidad y una buen participación del público, los ayuntamientos y las organizaciones. Hay muchos grupos en la península, en todas las regiones. Trabajo muchísimo fuera y veo que aquí estamos bastante bien, hay presupuestos y suficientemente sensibilidad para que valga la pena. También es verdad que no estamos al nivel de Francia, donde se programan 1.500 festivales, con no sé cuantas compañías. Allí, tienen más presupuestos y subvenciones para estas creaciones, porque entienden que es algo beneficioso para todos. Entienden que es una forma de inversión porque el teatro de calle llegará a todos los públicos, desde el perrito hasta el anciano pasando por la gente que se encuentra contigo y no sabe qué haces. Lo importante es la creación de una ilusión, algo diferente que en el camino de tu casa a a la oficina te haga pensar en algún importante... y que no sea negativo. 

Publicado el 18 de febrero de 2010 a las 16:00.